TV-Tipps arte

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arte und 3sat übertragen in ihren umfangreichen Programmen regelmäßig Dokumentationen über Künstler und Kulturereignisse, dazu Konzerte (von Klassik über Pop & Rock bis Heavy Metal), Musicalfilme, Opern-, Tanz- und Theatervorstellungen.
Diese Seite informiert über bevorstehende interessante Ausstrahlungstermine auf arte aus dem Kulturbereich.

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Programmwoche 46:

Donnerstag, 12.11. / 23:55 Uhr / „Der Widersacher“ von Emmanuel Carrère ~ Der Schriftsteller und der Mörder
Dokumentation, Frankreich, 2024, ARTE F 52 Min.
Regie: Camille Juza
Online verfügbar von 05/11/2026 bis 12/12/2026

Am 9. Januar 1993 ermordet Jean-Claude Romand seine Frau und seine beiden kleinen Kinder, wenig später auch seine Eltern. Der Versuch, seine ehemalige Geliebte und sich selbst zu töten, scheitert. Die polizeilichen Ermittlungen lassen innerhalb weniger Stunden eine auf Lügen und Betrug aufgebaute Fassade einstürzen: Romand war weder Arzt noch Experte der Weltgesundheitsorganisation, wie er jahrelang vorgab, und wenn er behauptete, auf Geschäftsreise oder auf einer Konferenz zu sein, schlug er die Zeit auf Autobahnraststätten oder mit Wanderungen tot.

Was damals durch die Presse ging, beschäftigte den französischen Schriftsteller Emmanuel Carrère so sehr, dass er beschloss, mit Romand Kontakt aufzunehmen. Er nahm an seinem Prozess teil, besuchte ihn. Über mehrere Jahre beschäftigte ihn die Frage, was Jean-Claude Romand wohl durch den Kopf ging, wenn er mit seiner Lebenslüge allein war. Aber kann man einem notorischen Lügner überhaupt die Wahrheit entlocken?

Zugleich fürchtet sich der Schriftsteller davor, sich in dem Manipulator wiederzuerkennen. Auch Carrères Ringen um seinen Platz in der Erzählung des Mordes und seine anfängliche Unfähigkeit, eine angemessene Erzählform zu finden, werden im Film beleuchtet. Er gibt fast auf, findet aber einen neuen Weg und schreibt seinen ersten Tatsachenroman, der zu einem Wendepunkt in seinem Schaffen wird.

„Der Schriftsteller und der Mörder“ erzählt von der ungewöhnlichen Beziehung zwischen Carrère und Romand und von der schwierigen Entstehungsgeschichte von Carrères Buch „Der Widersacher“, von dem über 800.000 Exemplare verkauft wurden.

Donnerstag, 12.11. / 00:50 Uhr / Schostakowitsch, Symphonie in Rot
Dokumentation, Frankreich, 2025, ARTE F 57 Min.
Regie: Philippe Picard, Jérôme Lambert
Online verfügbar von 25/10/2026 bis 10/02/2027
Wiederholung vom 01.11.2026

Freitag, 13.11. / 21:45 Uhr / Klaus Nomi ~ Sänger der dritten Art
Dokumentation, Frankreich, 2025, ARTE F 52 Min.
Regie: Thomas Boujut
Online verfügbar von 06/11/2026 bis 11/02/2027
Erstausstrahlung

Klaus Nomi, der deutsche Countertenor mit außerirdischem Look, revolutionierte in den 1980er Jahren die Popkultur – zwischen Barockoper und New Wave. Als einer der ersten prominenten Aids-Toten 1983 hinterließ er ein einzigartiges Erbe. Die Dokumentation erinnert an den queeren Visionär, dessen Einfluss bis heute nachhallt.

Mehr als 40 Jahre nach seinem Tod ist Klaus Nomi immer noch eine Ikone – ein Künstler, der Grenzen sprengte und die Popkultur für immer veränderte. Mit seiner sphärischen Countertenorstimme, die mühelos zwischen Bassbariton und opernhafter Höhe wechselte, und seinem retrofuturistischen Look aus Kunststoffkostümen und außerirdischem Make-up wurde er zum Pionier einer neuen Ästhetik. Nomi war nicht nur Sänger, sondern ein Gesamtkunstwerk, das Oper und New Wave verschmolz.

Die Dokumentation von Thomas Boujut porträtiert einen kompromisslosen Künstler, der in den Undergroundclubs des New Yorker East Village und an der Seite von David Bowie in „Saturday Night Live“ Geschichte schrieb. Mit seiner androgynen Erscheinung und seiner Musik brach er Geschlechterklischees auf und schuf einen Sound, der bis heute nachwirkt.

Doch Nomis Karriere war so kurz wie intensiv. 1983 starb er als einer der ersten prominenten Opfer an den Folgen von Aids – nur wenige Monate nachdem er mit seiner Interpretation von „The Cold Song“ die Musikwelt begeistert hatte. Der Film nähert sich dem Mythos durch die Erinnerungen seiner engsten Weggefährten: Joey Arias, sein Bühnenpartner, und Kristian Hoffman, sein musikalischer Leiter, erzählen von einem Künstler, der keine Kompromisse kannte.

Auch die Gegenwart holt der Film ein: Flora Fishbach und Christine and the Queens bezeugen, wie Nomis Erbe in ihrer eigenen Kunst weiterlebt. Mit seltenem Archivmaterial und eindringlichen Performances entsteht ein Porträt und eine Feier des Andersseins, der radikalen Kreativität und des Muts, sich nicht zu verstecken.

Freitag, 13.11. / 22:40 Uhr / Talking Heads – Stop Making Sense
Live at Pantages Theatre, 1983
Musik, USA, 1984, ARTE F 85 Min.
Regie: Jonathan Demme
Online verfügbar von 06/11/2026 bis 13/12/2026
Erstausstrahlung

„Stop Making Sense“ ist ein Meisterwerk des Konzertfilms: Die Talking Heads inszenieren 1983 ihr Album „Speaking in Tongues“ in einer einzigartigen Show. Mit minimalistischer Bühne, avantgardistischer Ästhetik und David Byrnes ikonischer Performance schuf Regisseur Jonathan Demme („Das Schweigen der Lämmer“) ein zeitloses Filmerlebnis.

Dezember 1983, Pantages Theatre in Hollywood: David Byrne betritt allein eine leere Bühne, legt eine Kassette ein und beginnt mit einer hypnotischen Version von „Psycho Killer“. Doch dies ist kein gewöhnliches Konzert. Mit jedem Song gesellt sich ein weiteres Mitglied der Talking Heads dazu – ein genialer Aufbau, der den Film „Stop Making Sense“ zu einem der einflussreichsten Konzertfilme aller Zeiten macht.

Regisseur Jonathan Demme („Das Schweigen der Lämmer“) verwandelte die Tournee zum Album „Speaking in Tongues“ in ein visuelles und musikalisches Spektakel. Mit acht Kameras, einem mobilen Studio und 24 Tonspuren fing er die Energie dreier ausverkaufter Shows ein. Doch was den Film so besonders macht, ist nicht nur die Technik, sondern die Inszenierung: Byrnes Idee, die Musiker als „Figuren“ zu behandeln, gibt dem Konzert eine narrative Struktur – wie eine Geschichte mit Anfang, Mitte und Ende.

Die Bühne ist minimalistisch, fast karg, doch die avantgardistische Beleuchtung und Byrnes exzentrische Choreographie – berühmt: der übergroße Anzug in „Girlfriend Is Better“ – schaffen eine einzigartige Atmosphäre. Die Band – Tina Weymouth (Bass), Chris Frantz (Schlagzeug) und Jerry Harrison (Gitarre) – liefert präzise, mitreißende Performances, während Byrne als charismatischer Frontmann die Show dominiert.

Die Talking Heads brachen mit Konventionen, und Demme setzte ihre Vision perfekt um. Bis heute gilt der Film als Maßstab und zeigt, wie Musik, Bild und Inszenierung zu einem Gesamtkunstwerk verschmelzen können.

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Programmwoche 47:

Samstag, 14.11. / 19:40 Uhr / Tracks East ~ Kunst, Konzerte, Knast – Putins neue Härte
Magazin, Deutschland, 2026, ZDF        30 Min.
Online verfügbar von 08/11/2026 bis 10/10/2030
Erstausstrahlung

Kritische Äußerungen sind in Russland gefährlich. Das gilt sogar für die ausländische Presse. Das hat der US-amerikanische Journalist Evan Gershkovich erfahren müssen. Er erzählt von 491 Tagen Haft. Auch für Künstler ist es gefährlicher geworden, wenn sie öffentlich auffallen. Die Mitglieder der Petersburger Band Stoptime wurden mehrmals verhaftet und leben mittlerweile im Ausland.

In Russland gibt es ein ungeschriebenes Gesetz, nach dem die Repressionen vor den Wahlen nachlassen, um ein möglichst gutes Ergebnis für die Staatsparteien zu erzielen. Nach den Wahlen drohen dann wieder verschärfte Maßnahmen gegen unabhängige Medien sowie weitere Einschränkungen von Meinungs- und Kunstfreiheit. Aber schon vor den Wahlen lag die Zahl politisch motivierter Strafverfolgungen laut Memorial bei rund 500 neuen Fällen pro Quartal. Dabei werden zunehmend schwerwiegendere Vorwürfe wie Terrorismus und Sabotage genutzt.

Wie es sich in Wladimir Putins Gefängnissen anfühlt, hat der US-Amerikaner Evan Gershkovich am eigenen Leib erlebt. Der Journalist des Wall Street Journals wurde 2023 in Russland wegen angeblicher Spionage festgenommen und in einem geheimen Prozess zu 16 Jahren Gefängnis verurteilt. Erst nach 491 Tagen Haft, im August 2024, kam er bei einem Gefangenenaustausch frei.

Bei „Tracks East“ spricht er über seine Erfahrungen und über sein neues Buch „Dieses verfluchte wunderschöne Land“. Darin erzählt er von seinem Alltag im Gefängnis, von den Verhören und wie er Russland vor seiner Verhaftung erlebt hat.

Wer mit Musik oder Kunst Kritik an der Regierung übt, riskiert oft, verhaftet zu werden. Davon erzählt die Mitglieder der Petersburger Band Stoptime: Nachdem ihre regimekritischen Straßenauftritte bekannt wurden, nahmen die Behörden die Musiker mehrfach fest. Schließlich verließen Mitglieder der Band Russland.

Samstag, 14.11. / 23:20 Uhr / David Bobée inszeniert Brahms: Ein deutsches Requiem
Mit Laurence Equilbey & Insula orchestra
Musik, Frankreich, 2026, ARTE F        86 Min.
Regie: Isabelle Soulard
Komponist: Johannes Brahms
Inszenierung: David Bobée
Dirigent: Laurence Equilbey
Orchester: Insula orchestra
Chor: accentus
Bühnenbild / Ausstattung / Bauten: David Bobée, Léa Jézéquel

Mit: Eleanor Lyons (Sopran), John Brancy (Bariton), Yingyu Lyu (Tänzerin), Salvatore Cappello (Akrobat), Jules Turlet (französischer Gebärdengesang)
Online verfügbar von 07/11/2026 bis 12/02/2027
Erstausstrahlung

Johannes Brahms‘ „Ein deutsches Requiem“ ist eines der bedeutendsten Chorwerke des 19. Jahrhunderts. Doch was passiert, wenn man es ohne religiösen Filter auf die Bühne bringt? Genau das wagen die Dirigentin Laurence Equilbey und der Regisseur David Bobée mit ihrer Neuinszenierung, in der das Stück als „Requiem für die Menschheit“ neu interpretiert wird.

Equilbey, Gründerin des renommierten Kammerchors accentus und des Insula orchestras, hat das Werk bereits im Jahr 2002 in einer wegweisenden Aufnahme für zwei Klaviere und Chor eingespielt. Jetzt kehrt sie mit der Orchesterversion auf historischen Instrumenten zurück – jedoch nicht als reine Konzertaufführung, sondern fast schon als szenische Oper. Zusammen mit Bobée, einem der profiliertesten Theaterregisseure Frankreichs, verwandelt sie Brahms‘ Musik in ein multidisziplinäres Spektakel aus Gesang, Tanz und Theater.

Das Besondere: Brahms schrieb sein Requiem auf Deutsch, nicht auf Latein, und nicht für die Kirche, sondern direkt für die Menschen. Es geht darin nicht um Erlösung im Jenseits, sondern um Trost im Hier und Jetzt: um Trauer, Verlust und den gesellschaftlichen Umgang mit diesen Themen.

Bobée und Equilbey spitzen diesen Gedanken noch zu: Ihr „Requiem für die Menschheit“ wird zur Momentaufnahme unserer Zeit, zur Reflexion über die Conditio humana. Dabei verzichtet die Inszenierung bewusst auf religiöse Symbolik. Stattdessen setzt sie auf universelle Bilder, die zeigen: Die Welt, die wir gestalten, existiert jetzt – ohne Aufschub und ohne Vertröstung auf jenseitige Heilsversprechen.

Samstag, 14.11. / 00:45 Uhr / Die Tochter des Papstes – Lucrezia Borgia
Dokumentation, Deutschland, 2024, ZDF        52 Min.
Regie: Cuini Amelio Ortiz
Online verfügbar von 14/11/2026 bis 12/02/2027

Es ist die unglaubliche, aber wahre Geschichte der Tochter eines skandalumwitterten Papstes, mit dem das Papsttum an einen nie mehr erreichten Tiefpunkt gelangte. Das Image der Lucrezia Borgia ist für viele denkbar schlecht: Als zügellose Sünderin, Beischläferin ihres Vaters und ihrer Brüder, Giftmörderin wird diese außergewöhnliche Schönheit beschrieben. Die Fantasie ihrer Feinde überschlägt sich: Sie soll einen Giftring getragen haben, der ihr dazu diente, sich ihrer Feinde schnellstmöglich zu entledigen. Die Gerüchte, die aus Lucrezia eine dämonische Femme fatale machen, entsprechen allerdings nicht der Wahrheit. Politische Gegner ihres Vaters, des Papstes Alexanders VI., setzen sie in die Welt, mit dem klaren Ziel, Lucrezias Familie, den Borgia zu schaden. Sie suchen sich das schwächste Opfer aus: eine Frau. Lucrezia lebte in einer der abenteuerlichsten, aber auch faszinierendsten Phasen der Renaissance.

Die Herrschaft ihres Vaters Rodrigo Borgias, Papst Alexanders VI., ist eine der spektakulärsten Epochen der Kirchengeschichte. Rodrigo war ein Papst, der sein Amt ausschließlich dazu nutzte, die Macht seiner Familie zu mehren. Er verheiratet seine Tochter nach politischer Opportunität, scheidet sie von dem ersten Ehemann und billigt die Ermordung des zweiten. Erst in ihrer dritten Ehe, weit weg von ihrem Vater, zeigt sie als Herzogin von Ferrara, was alles in ihr steckt. Als sie mit 39 Jahren stirbt, ist ihr Mann nicht zu trösten. Er hat eine Frau verloren, wie sie schöner, klüger, gebildeter und sittlicher kaum denkbar war – wie er seinem Bruder schreibt.

Sonntag, 15.11. / 06:35 Uhr / Hildegard Knef – So oder so ist das Leben
Dokumentation, Deutschland, 2025, SWR        55 Min.
Regie: André Schäfer
Online verfügbar von 02/11/2026 bis 31/01/2027
Wiederholung vom 02.11.2026

Sonntag, 15.11. / 07:35 Uhr / John Coltrane – Der Atem des Jazz
Dokumentarfilm, USA, 2016, ARTE F        95 Min.
Regie: John Scheinfeld
Online verfügbar von 21/09/2026 bis 21/09/2027
Wiederholung vom 09.10.2026

Sonntag, 15.11. / 17:00 Uhr / Paul Cézanne – Der Kampf für die Moderne
Dokumentation, Deutschland, 2025, ZDF        53 Min.
Regie: Grit Lederer
Online verfügbar von 23/09/2026 bis 22/12/2026

In Aix-en-Provence steht das Landhaus der Familie des Malers Paul Cézanne, die Bastide du Jas de Bouffan. Die Dokumentation erzählt, wie Cézanne an diesem Ort nach einem neuen Ausdruck in der Malerei sucht. Allein und ungestört kann er dort und in der Umgebung einen Stil entwickeln, der über den Impressionismus hinausweist und ihn zum „Vater der Moderne“ machen sollte. In der Bastide entstanden einige seiner berühmten Werke.

Lange Zeit musste Cézanne mit der Ablehnung durch Publikum und Kollegen leben. Seine Stillleben galten als lächerlich – sehen so Äpfel und Birnen aus? Bei all der Ablehnung wurde die Bastide als Rückzugsort für Cézanne immer wichtiger. Durch das Haus blieb er auch mit seinem Vater in Verbindung, der ihn zwar finanziell unterstützte, die Malerei als Beruf aber ablehnte. Cézanne nutzte das Landhaus über vier Jahrzehnte, 1859 bis 1899.

Zeit seines Lebens reiste Paul Cézanne zwischen Paris, wo er sich Anerkennung erhoffte, und Aix-en-Provence hin und her. Auch das Fischerdorf L’Estaque am Golf von Marseille wird einer seiner Rückzugsorte sein. Als die Berliner Nationalgalerie im Jahr 1897 noch vor den französischen Museen ein erstes Werk Cézannes ankauft, erfährt er späten Ruhm. 1906 starb der Maler in seiner Geburtsstadt Aix-en-Provence.

Anhand exemplarisch ausgewählter Gemälde sowie zahlreicher originaler Schwarz-Weiß-Fotografien des Künstlers wird das Werk Cézannes verständlich. Obwohl der Künstler einst um Anerkennung rang und von inneren Zweifeln getrieben war, sind die Gemälde Paul Cézannes heute Publikumsmagneten.

Sonntag, 15.11. / 17:55 Uhr / Morricone Night ~ Teatro La Fenice Orchester & Chor in Venedig
Musik, Italien, 2026, WDR        38 Min.
Regie: Claudia De Toma
Komponist: Ennio Morricone
Dirigent: Kevin Rhodes
Orchester: Orchestra del Teatro La Fenice
Chorleitung: Alfonso Caiani
Chor: Coro del Teatro La Fenice
Online verfügbar von 15/11/2026 bis 15/12/2026
Erstausstrahlung

Der italienische Jazzmusiker und Komponist Ennio Morricone hat für mehr als 500 Filme einmalige Musik komponiert und wurde dafür mit zwei Oscars ausgezeichnet. Eine Auswahl von „Der Clan der Sizilianer“ über „Cinema Paradiso“ bis „The Hateful Eight“ präsentieren Orchester und Chor des Teatro La Fenice in einem nächtlichen Open-Air-Konzert in Venedig. Am Pult steht Kevin Rhodes.

Lange hat es gedauert, bis Ennio Morricone (1928–2020), einer der produktivsten Filmkomponisten aller Zeiten, mit einem Oscar für seine schwelgerischen und sofort wiedererkennbaren Soundtracks ausgezeichnet wurde – und zwar gleich zwei Mal: 2007 für das Lebenswerk und noch einmal 2016 für „The Hateful Eight“ von Regisseur Quentin Tarantino. Orchester und Chor des Teatro La Fenice in Venedig werden von Kevin Rhodes geleitet, ein seit rund 30 Jahren weltweit gefragter Dirigent. Er arbeitet an den großen Opernhäusern von der Mailänder Scala, der Wiener Staatsoper und der Bayerischen Staatsoper bis hin zur Pariser Nationaloper.

Der Konzertabend lässt Erinnerungen an große Schauspiel-Stars wachwerden: zum Beispiel Alain Delon und Lino Ventura 1969 in „Der Clan der Sizilianer“ und Claudia Cardinale 1996 in „Nostromo – Der Schatz in den Bergen“, ein Film der viele Jahre nach der gemeinsamen Arbeit für Sergio Leones ikonischen Italowestern „Spiel mir das Lied vom Tod“ entstanden ist.

Große Bilder im Kopf entstehen auch bei der Musik zu „The Mission“ aus dem Jahr 1986 mit Robert de Niro, der einen ehemaligen Sklavenhändler spielt, der sich komplett gewandelt hat. Für diese Filmmusiken gab es neben den Oscars auch einige Golden Globes und BAFTA-Awards für Morricone. Knapp 5.000 Menschen haben das Open-Air-Konzert auf der schönsten Piazza Italiens besucht, dem Markusplatz in Venedig. Bereits Napoleon Bonaparte soll ihn den „schönsten Festsaal Europas“ genannt haben …

Programm:
    „Nostromo – Der Schatz in den Bergen“ – „Conradiana“
    „Cinema Paradiso“ – „Cinema Paradiso“
    „Cinema Paradiso“ – „Love Theme“
    „The Hateful Eight“ / „Les Huit Salopards“ – „Suite“
    „Der Clan der Sizilianer“ / „Les Clan des Siciliens“ – „Suite“
    „The Mission“ – „Suite“
    Alle Kompositionen dieses Programms stammen von Ennio Morricone.
    Aufzeichnung vom 5. Juli 2026 am Markusplatz in Venedig.

Sonntag, 15.11. / 20:15 Uhr / Fedora
Spielfilm, Deutschland, Frankreich, 1978, ARD        109 Min.
Regie: Billy Wilder
Drehbuch: Billy Wilder, I.A.L. Diamond
Autor:in: Thomas Tryon
Produktion: Geria II, Bavaria, Société Française de Production
Produzent: Billy Wilder, I.A.L. Diamond
Kamera: Gerry Fisher
Schnitt: Fredric Steinkamp
Musik: Miklos Rozsa
Restaurierung: CinePostproduction
Mit: William Holden (Barry Detweiler), Marthe Keller (Fedora/Antonia Sobryanski), Hildegard Knef (Gräfin Sobryanski), José Ferrer (Dr. Vando), Frances Sternhagen (Miss Balfour), Mario Adorf (Hotelmanager), Stephen Collins (junger Barry), Henry Fonda (Präsident der Akademie), Michael York (Michael York)
Online verfügbar von 15/11/2026 bis 15/12/2026

Fedora, einst ein umjubelter Hollywoodstar, hat sich aus dem Filmgeschäft zurückgezogen und auf einer griechischen Insel niedergelassen. Jeglicher Kontakt mit der Außenwelt ist ihr verwehrt. – Billy Wilders tiefgründige Hommage an das goldene Zeitalter Hollywoods ist gleichzeitig ein bitterer Abgesang auf das Kino der alten Schule.

Der ewig mit Liquiditätsproblemen kämpfende Filmproduzent Barry Detweiler besucht die legendäre Filmdiva Fedora in ihrem freiwillig gewählten Exil auf der griechischen Insel Korfu, um sie von seinem neuen Film und einem furiosen Comeback zu überzeugen. Mit einer Frau wie Fedora, einer wahren Filmlegende, steht und fällt sein Projekt. Er will „Anna Karenina“ neu verfilmen. Nach der Überwindung einiger Hindernisse gelingt es ihm schließlich, in die abgelegene Villa vorzudringen. Dort lebt Fedora mit ihrer merkwürdigen Entourage: der herrschsüchtigen alten Gräfin Sobryanski, der argwöhnischen Krankenschwester Balfour und dem dubiosen plastischen Chirurgen Dr. Vando. Sie alle scheinen besessen davon, Fedora um jeden Preis vor der Außenwelt abzuschirmen. Die Gräfin schmettert Barrys Anfrage mit der Begründung ab, die Diva sei zu krank und ihre Karriere definitiv vorüber. Enttäuscht will Produzent Detweiler abreisen. Fedora gelingt es jedoch, ihn kurz vor seiner Abreise in seinem Hotel aufzusuchen. Sie berichtet ihm, dass sie wie eine Gefangene gehalten werde, und hofft, aus ihrem Exil entfliehen zu können …

Fedora“ ist Wilders vorletzter Film. Mit diesem Werk schließt der Regisseur eine Art Kreis, denn in den Anfangsjahren seiner Karriere hat er mit dem weltberühmten „Boulevard der Dämmerung“ („Sunset Boulevard“) ein Meisterwerk geliefert, das ebenfalls zum Nachdenken über die sogenannte Traumfabrik Hollywood anregt. „Fedora“ ist hochkarätig besetzt, gut inszeniert und besticht durch seine interessante Erzählstruktur.

Sonntag, 15.11. / 00:45 Uhr / Im Kopf von Quentin Tarantino
Schwerpunkt: Ein Abend mit Quentin Tarantino
Dokumentation, Frankreich, 2025, ARTE F        52 Min.
Regie: France Swimberge
Online verfügbar von 08/11/2026 bis 13/02/2027
Erstausstrahlung

Quentin Tarantino sagt über seine Filme, sie seien auf eine höchst schmerzhafte Weise persönlich. Tatsächlich erzählt sein Werk immer wieder vor allem eines: sein eigenes Leben. Die Dokumentation kehrt an zentrale Orte in Los Angeles zurück, wo der Lebensweg dieses Autodidakten begann, der später zu einem Schwergewicht des internationalen Kinos werden sollte.

Seit dem Erfolg seines Debüts „Reservoir Dogs – Wilde Hunde“ im Jahr 1992 gilt Quentin Tarantino als Ausnahmeregisseur: als Meister des Tempos, der Action und der Coolness, aber auch als Wegbereiter einer neuen Begeisterung für Kinofilme. Er wird gleichermaßen bewundert wie kritisiert – etwa dafür, dass er in seinen Filmen nicht nur den großen Klassikern, sondern auch den Werken der zweiten Reihe Reverenz erweist. Dabei wird oft übersehen, wie stark sein gesamtes Schaffen von eigenen Jugenderinnerungen durchzogen ist.

Immer wieder erscheinen in seinen Filmen mutige Frauenfiguren, die Menschen aus seinem unmittelbaren Umfeld nachempfunden sind – etwa seiner Mutter Connie, die ihn allein großzog, oder deren bester Freundin Jackie, die deutliche Gemeinsamkeiten mit der Figur der Jackie Brown aufweist. Auch die Atmosphäre des Los Angeles von 1969, die er als Kind auf den Fahrten im Auto seines Stiefvaters aufsog, lebt in Filmen wie „Once Upon a Time in Hollywood“ fort. Immer wieder tauchen Erinnerungen an seine Heimat Tennessee auf: Anspielungen auf seine einsame Kindheit, Songs aus dem Radio, Lieblingssendungen im Fernsehen und seine heißbegehrten Comics.

Im Grunde erzählen Tarantinos Filme stets von seinem eigenen Leben, dessen Fragmente er in abenteuerlichen Geschichten verbirgt. Wie jeder große Filmemacher beweist er damit, dass eine gewöhnliche, beinahe banale Jugend den besten Stoff für ein Werk liefern kann, das im zeitgenössischen Kino seinesgleichen sucht.

Sonntag, 15.11. / 01:40 Uhr / Uma Thurman – Die stille Kämpferin Hollywoods
Dokumentation, Deutschland, 2024, ZDF        51 Min.
Regie: Lukas Hoffmann
Online verfügbar von 15/11/2026 bis 14/01/2027

„Pulp Fiction“ macht Uma Thurman zum Postergirl des Independent-Kinos. Als kämpfende Rächerin wird sie mit „Kill Bill“ zum Sinnbild der emanzipierten Frau. Doch während sie in Hollywood zur strahlenden Heldin aufsteigt, erlebt sie hinter den Kulissen ein toxisches System, in dem Männer das Sagen haben, ihre Macht missbrauchen und sie demütigen.

Schwarzer Pagenkopf, verruchter Blick: Als Gangsterbraut Mia Wallace wurde Uma Thurman in Quentin Tarantinos Kultfilm „Pulp Fiction“ (1994) zur Ikone. Ihr Konterfei zierte WG-Küchen rund um die Welt, der Pagenschnitt erlebte eine Renaissance und ihr legendärer Twist-Tanz mit John Travolta ging in die Filmgeschichte ein. Als schwertschwingende Kämpferin gelang ihr in „Kill Bill“ dann der endgültige Durchbruch.

Es scheint, als wäre Uma Thurman der Erfolg einfach zugeflogen, da ihr alles Nötige dazu in die Wiege gelegt wurde: Intelligenz, Talent, Schönheit. Und doch war ihr Weg zu einer selbstbestimmten Künstlerin lang und begleitet von vielen Enttäuschungen. Bereits als Kind kämpfte sie mit dem Gefühl, anders zu sein als ihre Mitschüler und nicht zu ihrem Kreis dazuzugehören. Ihre Mutter war ein schwedisches Model, ihr Vater ein buddhistischer Geistlicher. Uma Thurmans Kindheit unterschied sich erheblich von der anderer Kinder, die wie sie in einer US-amerikanischen Kleinstadt aufwuchsen. Auf der Suche nach sich selbst entdeckt sie die Schauspielerei. Die Türen öffnen sich schnell, denn die junge Uma Thurman ist talentiert und schön. Doch sie muss schmerzlich erfahren, welche Folgen es hat, wenn man anderen die Kontrolle über das eigene Bild überlässt.

Die Dokumentation „Uma Thurman – Die stille Kämpferin Hollywoods“ erzählt anhand vielfältiger Filmausschnitte und Interviews Leben und Filmkarriere der US-amerikanischen Schauspielerin. Zu Wort kommen dabei zahlreiche Wegbegleiter und auch Uma Thurman selbst.

Sonntag, 15.11. / 03:25 uhr / Paris Paloma – Sounds Like Art
Museum voor Schone Kunsten, Gent
Musik, Deutschland, 2026, ZDF        63 Min.
Regie: Flo Breuer
Online verfügbar von 09/09/2026 bis 08/03/2031
Wiederholung vom 02.10.2026

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Programmwoche 48:

Samstag, 21.11. / 16:15 Uhr / „Hallelujah“: Leonard Cohen, ein Leben, ein Lied
Dokumentarfilm, USA, 2021, ZDF 111 Min.
Regie: Dayna Goldfine, Dan Geller
Online verfügbar von 06/11/2026 bis 06/12/2026
Wiederholung vom 06.11.2026

Samstag, 21.11. / 23:20 Uhr / Jules Massenet: Werther
Oper, Frankreich, 2026, ARTE F 139 Min.
Regie: Corentin Leconte
Komponist: Jules Massenet
Inszenierung: Ted Huffman
Dirigent: Raphaël Pichon
Orchester: Pygmalion
Chor: Maîtrise Populaire de l’Opéra-Comique
Libretto: Edouard Blau, Paul Milliet, Georges Hartmann, nach Johann Wolfgang von Goethe
Bühnenbild / Ausstattung / Bauten: Ted Huffman
Kostüme: Astrid Klein
Licht: Bertrand Couderc

Mit: Adèle Charvet (Charlotte), Pene Pati (Werther), John Chest (Albert), Julie Roset (Sophie), Christian Immler (Le Bailly), Jean-Christophe Lanièce (Johann), Carl Ghazarossian (Schmidt), Paul-Louis Barlet (Brühlmann), Flore Royer (Kätchen)

Online verfügbar von 14/11/2026 bis 21/12/2026
Erstausstrahlung
„Die Leiden des jungen Werther“ inspirierte Jules Massenet zu einer seiner bekanntesten Opern. In Ted Huffmans Neuinszenierung an der Pariser Opéra Comique geht es nicht nur um die unglückliche Liebe zwischen Werther und Charlotte, sondern auch um die Machtverhältnisse, die ihr Schicksal bestimmen. Den Part des unglücklich Verliebten singt Pene Pati, der neue Shootingstar aus Samoa.

Pene Pati, das Stimmwunder aus dem fernen Samoa, übernimmt den Part des jungen Mannes, der sich unsterblich in eine Frau verliebt, die bereits einem anderen versprochen ist, und der sich am Ende das Leben nimmt. Johann Wolfgang von Goethes Briefroman „Die Leiden des jungen Werther“ hatte nach der Veröffentlichung 1774 eine Welle von Selbstmorden nach sich gezogen. Über 100 Jahre später griff der französische Komponist Jules Massenet diesen Stoff auf und schuf eine seiner bedeutendsten Opern.

Werther, ein schwärmerischer Idealist, trifft in Wetzlar auf Charlotte, die wie er eine Leidenschaft für Poesie teilt. Doch die junge Frau hat ihrer Mutter am Sterbebett versprochen, Albert zu heiraten. Massenets Oper legt den Akzent auf die Figur der Charlotte, die zwischen persönlichen Sehnsüchten und gesellschaftlichen Erwartungen steht.

„Werther“ feierte seine Uraufführung 1892 in Wien, bevor das Werk ein Jahr später erstmals an der Opéra Comique in Paris gespielt wurde. Nun kehrt die Oper unter der musikalischen Leitung von Raphaël Pichon in den historischen Salle Favart zurück. Regisseur Ted Huffman, auch bekannt für seine Inszenierung aus dem Jahr 2023 von Gounods „Roméo et Juliette“, verzichtet auf folkloristische Klischees und konzentriert sich auf die universellen Themen des Werks.

Das reduzierte Bühnenbild von Ted Huffman und die modernen Kostüme von Bertrand Couderc schaffen eine zeitlose Atmosphäre, die es dem Publikum leicht macht, sich mit den Figuren zu identifizieren. Mit Pene Pati als Werther und Adèle Charvet als Charlotte verspricht die Produktion eine differenzierte Auseinandersetzung mit Massenets Meisterwerk.

Sonntag, 22.11. / 05:10 Uhr / Zeichnen aus Protest ~ Russland: Die Karikaturistin Victoria Lomasko
Dokumentationsreihe, Belgien, 2024, ARTE F 54 Min.
Regie: Anna Mosienko
Online verfügbar von 15/11/2026 bis 22/12/2026

Die Künstlerin Victoria Lomasko dokumentiert das Russland unter Präsident Wladimir Putin und versucht zu verstehen, warum häusliche und staatliche Gewalt so eng miteinander verknüpft sind. 2022 flieht sie aus ihrem Land, um ihr bisher ehrgeizigstes Projekt anzugehen: eine Wandmalerei mit einer Darstellung der Ereignisse, die auf die Demos im Winter 2021 folgten.

Victoria Lomasko ist eine russische Künstlerin, die 1978 in Serpuchow geboren wurde. Sie studierte an der Staatlichen Universität für Druckwesen in Moskau, an der sie 2003 mit einem Diplom in Grafik und Buchkunst abschloss. Ihr erstes Buch „Verbotene Kunst“ (2013) wurde für den renommierten Kandinsky-Preis nominiert. Darin schildert sie jene Aspekte des russischen Lebens, die die Behörden am liebsten verschweigen würden.

Die international anerkannte Künstlerin positioniert sich mit ihren Werken auf Seiten derer, die Widerstand leisten. Zehn Jahre verbringt sie damit, das Leben unter Putin zu dokumentieren. In ihren Zeichnungen beschäftigt sich Victoria mit dem, was sie den Teufelskreis der Gewalt nennt. Was passiert mit einer Generation, deren Geschichte in staatlicher Gewalt verwurzelt ist und Täter und Opfer nicht zu unterscheiden sind? Wie hängen systematische und häusliche Gewalt in Russland zusammen?

Victoria trifft Menschen, deren Geschichten sonst verschwiegen werden. Sie macht sie sichtbar, indem sie sie zeichnet. Ihre Arbeit gipfelt in einer Wandmalerei, in der sie ihre Begegnungen verarbeitet und die Ereignisse zwischen den Demonstrationen im Winter 2021 und dem Kriegsbeginn 2022 zusammenfasst.

Wie viele Menschen in Russland stellte sich auch Victoria die Frage, wie weit man für den Widerstand geht. Als Putin den Angriffskrieg gegen die Ukraine startet und alle Dissidenten als „Fliegen“ bezeichnet, „die man erschlagen sollte“, wägt Victoria das Risiko ihrer Arbeit neu ab und entscheidet sich, Russland zu verlassen.

Zusatzinfo: Victoria Lomasko ist eine russische Künstlerin, die 1978 in Serpuchow geboren wurde. Sie studierte an der Staatlichen Universität für Druckwesen in Moskau, an der sie 2003 mit einem Diplom in Grafik und Buchkunst abschloss. Ihr erstes Buch, „Verbotene Kunst“, wurde für den renommierten Kandinsky-Preis nominiert. Darin schildert sie jene Aspekte des russischen Lebens, die die Behörden am liebsten verschweigen würden.

Sonntag, 22.11. / 16:55 Uhr / Meister der schwedischen Malerei: Emma und Anders Zorn
Dokumentation, Frankreich, Schweden, 2026, ARTESVT 54 Min.
Regie: Pia Letho
Online verfügbar von 01/11/2026 bis 20/02/2027
Erstausstrahlung

Anders Zorn, einer der berühmtesten Maler Schwedens, wuchs als uneheliches Kind in einem abgelegenen schwedischen Bauernhof auf. Ein Weg von dort in die schicken Pariser Salons – kaum vorstellbar. Doch dann lernte er Emma kennen, die genau wusste, wie die internationale Kunstszene funktioniert. Zusammen wurden sie zu einem Power-Paar, dem die Kunstwelt zu Füßen lag.

Weil er als uneheliches Kind auf einem abgelegenen schwedischen Bauernhof aufgewachsen war, hatte der Maler Anders eigentlich schlechte Karten. Das änderte sich, als er Emma kennenlernte. Sie wusste, wie man malen muss, um die internationale Kunstszene für sich zu gewinnen. Anders Zorn wurde 1860 bei Mora geboren. Bereits seine frühsten Zeichnungen zeugen von außergewöhnlichem Talent. Er durfte eine höhere Schule besuchen und wurde mit 15 Jahren wurde er in die Stockholmer Kunstakademie aufgenommen.

Anders übte unermüdlich. Er lernte Emma kennen, als er das Portrait ihres Neffen malte. Zusammen erzielten die beiden internationale Erfolge. Die Dokumentation befragt Zorn-Experten in verschiedenen Städten. Sie erklären, wie das Paar so erfolgreich wurde. Er beherrschte die Maltechnik, sie verstand die Regeln der feinen Gesellschaft. Anders erlangte Ruhm, Reichtum und Auszeichnungen und porträtierte drei amerikanische Präsidenten. Doch es gab auch Schattenseiten, insbesondere Anders‘ Beziehungen mit seinen Aktmodellen. Zu Anfang des 20. Jahrhunderts befanden sich seine Kunst und seine Gesundheit im Niedergang. Als er im Alter von 60 Jahren starb, war sein Ruhm längst verblasst.

Nach Anders‘ Tod widmete Emma den Rest ihres Lebens der Bewahrung seines Lebenswerks. Sie initiierte den Bau des Zorn-Museums in Mora, das sie zusammen mit Haus Zorngården dem schwedischen Staat vermachte. Bis heute scheint dort die Zeit stillzustehen und zeugt von Zorns unvergleichlichem Talent. Geblieben ist seine Kunst, die heute, mehr als hundert Jahre nach seinem Tod, höher geschätzt wird denn je.

Sonntag, 22.11. / 17:50 Uhr / Im Zauber der Alhambra – Musik von Manuel de Falla
Musik, Deutschland, 2026, ZDF 42 Min.
Regie: Jörg Thomas Mohr
Komponist: Manuel de Falla
Mit: Javier Perianes (Klavier)
Online verfügbar von 22/11/2026 bis 21/05/2027
Erstausstrahlung

Zum 150. Geburtstag des spanischen Komponisten Manuel de Falla spielt der andalusische Pianist Javier Perianes in der einzigartigen Kulisse der Burg Alhambra. In den Palästen und Gärten des berühmten Wahrzeichens Granadas erkundet Perianes Leben und Werk des bedeutenden spanischen Komponisten und zeigt, wie eng dessen Musik mit Andalusien verbunden ist.

Der andalusische Pianist Javier Perianes begibt sich auf die Spuren von Manuel de Falla (1876–1946), der zu den bedeutendsten Komponisten Spaniens gehört. Obwohl de Falla vor allem für seine Orchester- und Bühnenwerke bekannt ist, hinterließ er auch mit seinen Klavierkompositionen ein außergewöhnliches musikalisches Erbe. Seine Werke verbinden klassische Tradition mit den Rhythmen, Melodien und Klangfarben Spaniens und schaffen eindrucksvolle musikalische Bilder von Landschaften und Emotionen.

Im Mittelpunkt steht die besondere Beziehung Manuel de Fallas zu Granada und der Alhambra. Schon als Kind wurde seine Fantasie durch Geschichten und Volkslieder angeregt, die ihm sein Kindermädchen erzählte. Später vertiefte sich seine Faszination für die sagenumwobene Welt Andalusiens und die Alhambra, deren romantische Ausstrahlung ihn sein Leben lang begleitete und auch sein kompositorisches Schaffen prägte.

Bei einem Rundgang durch die historischen Säle, Innenhöfe und Gärten der Alhambra stellt der Pianist Javier Perianes die Musik Manuel de Fallas vor und interpretiert ausgewählte Klavierstücke des Komponisten. Dabei erläutert er ihre kulturellen Wurzeln und zeigt, wie stark de Fallas Musik von der Kultur Andalusiens geprägt ist. In der einzigartigen Atmosphäre der Alhambra verbindet sich das Werk von de Falla mit dem Ort, der seine Vorstellungskraft und seine Kunst nachhaltig beeinflusst hat.

Programm:

Manuel de Falla:

„El amor brujo“:
„Pantomima“
„Danza del terror“
„Danza del pescador“
„Danza ritual del fuego“

„Nocturno“

Cuatro piezas españolas:
„Aragonesa“
„Cubana“
„Montañesa“
„Andaluza“

„Serenata andaluza“

Sonntag, 22.11. / 22:50 Uhr / Die neuen Klassikstars ~ Anna Lapwood, Hayato Sumino und Marcin
Dokumentation, Deutschland, 2026, ZDF 52 Min.
Regie: Lily Küntzle
Online verfügbar von 08/10/2026 bis 06/01/2027
Erstausstrahlung

Orgel, Klavier und Gitarre klingen erfrischend anders, wenn sie von Anna Lapwood, Hayato Sumino und Marcin gespielt werden. Mit ihren Instrumenten sind die neuen Klassikstars auf der Bühne ebenso erfolgreich wie auf YouTube, TikTok und Instagram. Die Dokumentation begleitet die Musiker zwischen Proben, Posts und Tourstress.

Klassische Musik erlebt einen digitalen Umbruch. Eine neue Generation junger Musikerinnen und Musiker begeistert das Publikum – mit Virtuosität, Charisma und Formaten, die auf YouTube, TikTok und Instagram millionenfach funktionieren. Die Dokumentation „Die neuen Klassikstars“ begleitet drei von ihnen hautnah: den japanischen Pianisten Hayato Sumino, die britische Organistin Anna Lapwood und den polnischen Gitarristen Marcin. Zwischen Proben, Studio, Reisen und großen Bühnen zeigt der Film, wie die drei ihre Musik erzählen und warum das Internet dafür zu einem zweiten Konzertsaal geworden ist.

Jede und jeder von ihnen hat seinen eigenen Zugang: Sumino verbindet Klassik mit eigenen Arrangements. Auf der Suche nach dem perfekten Klang wird dabei auch das Klavier selbst zum kreativen Werkzeug. Die britische Organistin Anna Lapwood nutzt soziale Medien, um die Orgel aus ihrer Nische zu holen und einem neuen Publikum nahezubringen. Ihr Repertoire spannt den Bogen von Filmmusik bis zu den Klassikern der Orgelliteratur. Der polnische Gitarrist Marcin entwickelt mit Loops und perkussiven Spieltechniken einen unverwechselbaren Sound. Mit Virtuosität entfaltet er auf der Akustikgitarre einen ganzen Klangkosmos und schafft Konzerterlebnisse, die an Rockshows erinnern.

Die Dokumentation blickt hinter die Kulissen ihrer Posts: Welche Ideen stecken in den kurzen Clips? Wie gehen sie mit Erwartungsdruck, Algorithmen und Klickzahlen um, ohne die künstlerische Freiheit zu verlieren? Eine Dokumentation über neue Nähe zum Publikum und darüber, wie Klassik in der Gegenwart ankommt.

Sonntag, 22.11. / 23:45 Uhr / Anna Lapwood
Elbphilharmonie, Hamburg
Musik, Deutschland, 2025, ZDF 81 Min.
Regie: Beatrix Conrad
Komponist: Hans Zimmer, Rachel Portman, Olivia Belli, Benjamin Britten, Alan Menken, John Williams, Christopher Churcher, Ludovico Einaudi, Eugène Gigout
Mit: Anna Lapwood (Orgel)
Online verfügbar von 08/10/2026 bis 06/01/2027
Erstausstrahlung

Das Konzert in der „Elphi“ ist Anna Lapwoods erstes, komplett gefilmtes Solo-Konzert fürs Fernsehen. Die Begeisterung der Britin für ihr Instrument ist ansteckend. Ob klassische Stücke oder neue Arrangements – Konzertbesucher und Millionen Fans auf Social Media lassen sich von ihrer Persönlichkeit und ihrem Spiel in der Hamburger Elbphilharmonie mitreißen.

Der Konzertabend in der Hamburger Elbphilharmonie spiegelt die künstlerische Bandbreite von Anna Lapwood eindrucksvoll wider. Orgel à la Lapwood bedeutet „Orgel at its best“, wenn die Künstlerin neben „klassischen“ Werken von Benjamin Britten und Eugène Gigout ihre eigenen Filmmusik-Arrangements spielt.

Highlights wie „Fluch der Karibik“ und „Herr der Ringe“ sind bei ihren Fans mittlerweile legendär. Die bekannten Stücke erklingen auf der Orgel in neuen und überwältigenden Klangfarben. Anna Lapwoods Bearbeitungen lassen die Dramatik des „Da Vinci Code“ nachempfinden oder ihre Zuhörer in die kosmischen Sphären von „Interstellar“ und „Star Wars“ eintauchen.

Dass Lapwood auch Entertainer-Qualitäten hat, beweist sie mit ihren humorvollen Anmoderationen der Orgelstücke. Ihr Auftritt in der Elbphilharmonie wird durch eine Lichtinszenierung atmosphärisch verstärkt und macht das Konzert zu einem besonderen Erlebnis.

Sonntag, 22.11. / 02:50 Uhr / Sleaford Mods ~ Echoes with Jehnny Beth
Musik, Frankreich, 2023, ARTE F 61 Min.
Regie: Antoine Carlier
Online verfügbar von 15/11/2026 bis 22/12/2026

Sleaford Mods aus Nottingham präsentieren bei „Echoes with Jehnny Beth“ ihre wütende Mischung aus Sprechgesang und Postpunk und heizen mit ihrem 2023 erschienenen Album „UK Grim“ ordentlich ein.

Bei Nottingham denkt man zuerst an Robin Hood, Little John und Maid Marian. Zwar ticken die Uhren inzwischen anders als zu Zeiten der mittelalterlichen Abenteuerhelden, aber Sleaford Mods erinnern uns daran, dass soziale Ungerechtigkeit in Großbritannien auch heute noch ein Thema ist. Sleaford Mods – das sind Jason Williamson und Andrew Fearn. Ihre Musik steckt voller Wut gegen das System und ihr Stil ist durch und durch britisch (wenn auch nicht auf die feine englische Art). Jason Williamson nimmt bei seinen Schimpftiraden kein Blatt vor den Mund. Die Beats von Andrew Fearn sind inspiriert von Postpunk und Hip-Hop und wirken wir ein Schlag ins Gesicht.

Die britischen Missstände scheinen für die beiden Musiker eine schier unerschöpfliche Inspirationsquelle zu sein. Bei „Echoes with Jehnny Beth“ lässt die Band ihrem Unmut freien Lauf und rüttelt das Publikum erneut ordentlich auf! Aufzeichnung vom 14. November 2023 im Yoyo, Paris

Montag, 23.11. / 22:25 Uhr / Leonora im Morgenlicht
(Leonora in the Morning Light)
Schwerpunkt: ARTE FilmFestival
Spielfilm, Deutschland, Rumänien, Mexiko, 2025, ZDF 99 Min.
Regie: Thor Klein, Lena Vurma
Drehbuch: Thor Klein, Lena Vurma
Autor:in: Elena Poniatowska
Produktion: Dragonfly Films, Memi Melo Cultura, Randan, Framebreed, Ostlicht Filmproduktion, ZDF/ARTE
Produzent: Mónica Moreno Bayard, James Heath, Alejandra Malvido, Lena Vurma, Paul Zischler
Kamera: Tudor Vladimir Panduru
Schnitt: Matthieu Taponier
Musik: Mariá Portugal
Mit: Olivia Vinall (Leonora Carrington), Alexander Scheer (Max Ernst), Cassandra Ciangherotti (Remedios Varo), István Téglás (Chiki Weisz), Ryan Gage (Edward James), Denis Eyriey (André Breton), Luis Gerardo Méndez (Dr. Morales), Cat Jugravu (Dali)
Online verfügbar von 16/11/2026 bis 16/12/2026
Erstausstrahlung

Zur Heilung ihres Geistes reist die Künstlerin Leonora Carrington in das Dschungel-Domizil eines Mäzens und setzt sich mit Schlüsselerlebnissen ihres Lebens auseinander: der patriarchal geprägten Kindheit, der Selbstbehauptung im männlich dominierten Surrealisten-Kreis, der Liebe zu Max Ernst und dem Exil. Biopic über die britische Surrealistin Leonora Carrington (1917-2011)

In den 1930er Jahren bricht Leonora Carrington mit den gesellschaftlichen Normen ihrer Zeit und tritt der surrealistischen Bewegung bei. In Paris trifft sie auf Künstlergrößen wie Salvador Dalí und André Breton, doch es ist ihre stürmische Liebesaffäre mit dem Maler Max Ernst, die sie auf eine Reise zu sich selbst führt. Zwischen Kunst, Leidenschaft und inneren Dämonen muss sich Leonora in einer Welt voller Umbrüche behaupten. Mit dem Beginn des Zweiten Weltkriegs flieht sie nach Mexiko, wo sie ihre Freiheit und ihre eigene Stimme als Künstlerin findet.

„Leonora im Morgenlicht“ wirft einen einzigartigen Blick auf die faszinierende Lebensgeschichte der britischen Künstlerin Leonora Carrington. Als bedeutende Künstlerin des Surrealismus zählt sie zu den populärsten Malerinnen Mexikos, doch in ihrer Heimat Großbritannien und der internationalen Kunstwelt blieb ihr Lebenswerk lange Zeit weitgehend unbeachtet. Heute gehört Leonora Carrington wie Frida Kahlo oder Georgia O’Keeffe zu den teuersten Künstlerinnen überhaupt.

Olivia Vinall verkörpert kraftvoll die innerlich zerrissene Leonora Carrington, an ihrer Seite sieht man den deutschen Schauspielstar Alexander Scheer als Max Ernst. Der Film von Regie-Duo Thor Klein und Lena Vurma basiert auf dem Bestseller „Leonora“ von Elena Poniatowska, der in Deutschland unter dem Titel „Frau des Windes“ erschienen ist.

Mittwoch, 25.11. / 21:55 Uhr / Virginia Woolf ~ Ein Zimmer für sich allein, eine Stimme für alle
Dokumentation, Frankreich, 2026, ARTE F 59 Min.
Regie: Lise Baron
Online verfügbar von 18/11/2026 bis 25/12/2026
Erstausstrahlung
„Ein Zimmer für sich allein“ (1929) – in diesem feministischen Essay analysiert Virginia Woolf, wie Frauen durch fehlende finanzielle Freiheit, Zeit und Raum systematisch von Kunst und Selbstbestimmung ausgeschlossen wurden. Ihr Text hat kaum an Aktualität verloren: Es geht um patriarchale Strukturen, die Bildung und Kreativität von Frauen nicht zulassen.

Virginia Woolf veröffentlichte 1929 mit „Ein Zimmer für sich allein“ einen Text, der bis heute nachhallt: Sie entlarvt darin die systematischen Hindernisse, die Frauen von künstlerischer und intellektueller Entfaltung abhalten. Ihr zentrales Argument: Ohne finanzielle Unabhängigkeit, Zeit und einen eigenen Raum bleibt Kreativität ein Privileg der Männer.

Woolfs Analyse ist schonungslos: Sie zeigt, wie das Patriarchat Frauen in Abhängigkeit hält – durch Ehe, mangelnde Bildungschancen und die Erwartung, sich um Haushalt und Familie zu kümmern. Doch Woolfs Essay ist auch ein Aufruf zur Rebellion. Sie fordert, dass Frauen sich Raum nehmen: physisch, finanziell und geistig.

Fast 100 Jahre später ist „Ein Zimmer für sich allein“ überraschend aktuell. Die Forderungen nach gleichem Lohn, Selbstbestimmung und Anerkennung weiblicher Kunst sind noch immer nicht erfüllt. Woolfs Essay bleibt damit nicht nur ein Klassiker der Literatur, sondern ein Weckruf – für alle, die für Gleichberechtigung kämpfen.

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Programmwoche 49:

Samstag, 28.11. / 20:15 Uhr / Leonardo da Vinci (1/2): Schüler der Erfahrung
Dokumentation, USA, 2024, ZDF        87 Min.
Regie: Ken Burns, Sarah Burns, David McMahon
Online verfügbar von 27/11/2026 bis 26/02/2027

Er war ein Universalgenie mit überbordender Vorstellungskraft und tiefgründigem Verstand – Leonardo da Vinci. Sein Vermächtnis sind künstlerische Werke von überwältigender Schönheit, detaillierte Skizzen futuristische Kriegs- und Fluggeräte und andere technische Neuerungen. Die zweiteilige Doku zeichnet ein intimes Bild dieses einzigartigen Visionärs.

Leonardo da Vinci wird am 15. April 1452 als Sohn eines ehrgeizigen Notars und einer einfachen Bauerntochter geboren. Da er aufgrund seiner Herkunft nicht den Beruf seines Vaters ergreifen kann, widmet er sich der Erforschung der Natur. Er studiert Fossilien, beobachtet Vögel im Flug und erkundet die dunklen Winkel nahegelegener Höhlen. Schon früh beginnt er, seine Beobachtungen in Skizzen festzuhalten.

Sein Vater empfiehlt ihm eine Lehre in der Werkstatt des Künstlers und Ingenieurs Andrea del Verrocchio. Verrocchio erkennt schnell Leonardos außergewöhnliches Talent. Die Ausbildung hilft ihm später, seinen eigenen künstlerischen Stil zu definieren und Natur und Technik in seinem Werk in Einklang zu bringen.

Mit 21 Jahren, während er noch bei Verrocchio arbeitet, wird Leonardo Mitglied der Malergilde in Florenz. Seine Werke sind lebendig und dynamisch, geprägt von weichen Konturen und fließenden Übergängen. Die Farbnuancen zeugen von seiner zunehmenden Meisterschaft im Umgang mit Ölfarben. Doch seine Unbeständigkeit wird ebenfalls deutlich: Immer wieder bricht er Arbeiten ab oder verzögert deren Vollendung über Jahre. Seinem wachsenden Ruhm in Florenz tut dies jedoch keinen Abbruch.

Erst im Alter von 30 Jahren verlässt Leonardo seine Heimat und zieht in das reiche Mailand, wo er sich dem damaligen Herzog Ludovico Sforza andient. Dort sollte eines seiner bedeutendsten Werke entstehen: „Das letzte Abendmahl“.

Samstag, 28.11. / 21:40 Uhr / Leonardo da Vinci (2/2): Suche nach dem Schönen
Dokumentation, USA, 2024, ZDF        85 Min.
Regie: Sarah Burns, David McMahon, Ken Burns
Online verfügbar von 27/11/2026 bis 26/02/2027

Die zweiteilige Doku zeichnet ein intimes Bild des einzigartigen Visionärs Leonardo da Vinci. Teil 2: Nach der Fertigstellung des „Letzten Abendmahls“ kehrt Leonardo nach Florenz zurück, das er 18 Jahre zuvor verlassen hatte. Erst im Alter von fast 50 Jahren eröffnet er dort sein eigenes Atelier.

Nach der Fertigstellung des „Letzten Abendmahls“ kehrt Leonardo da Vinci nach Florenz zurück, das er 18 Jahre zuvor verlassen hatte. Erst im Alter von fast 50 Jahren eröffnet er dort sein eigenes Atelier. Am Arno erreicht ihn der Ruf des ehrgeizigen Heerführers Cesare Borgia, der ihn als Militäringenieur gewinnen will. Leonardo inspiziert Befestigungsanlagen und fertigt Karten für Borgia an, der das an Florenz angrenzende Gebiet kontrolliert. Doch von der Brutalität, den Intrigen und der Grausamkeit des berüchtigten Condottiere abgestoßen, kehrt der Künstler bald nach Florenz zurück.

In Florenz beginnt Leonardo, sich intensiv mit dem Wasser zu beschäftigen. Er nennt es den „lebenswichtigen Körpersaft der trockenen Erde“ und vergleicht es mit der Funktion des Blutes im menschlichen Körper. In seiner Heimat wächst ihm mit Michelangelo Buonarroti ein ernstzunehmender Konkurrent heran. Gleichzeitig beginnt er mit einem Porträt von Lisa del Giocondo – es gilt als nahezu sicher, dass sie die „Mona Lisa“ ist. Das Gemälde sollte ihn bis an sein Lebensende begleiten.

Nach einem sechsjährigen Aufenthalt in Mailand geht Leonardo da Vinci schließlich nach Rom, wo sich der alternde Künstler der Konkurrenz jüngerer Maler stellen muss. Dennoch bleibt er weltberühmt.

1516 lädt ihn der kunstsinnige und gebildete König Franz I. ein, nach Frankreich zu kommen. Leonardo verlässt Italien für immer. In der Nähe von Amboise an der Loire verbringt er – von Franz I. großzügig unterstützt – seine letzten drei Lebensjahre. Dort stirbt er am 2. Mai 1519.

Samstag, 28.11. / 23:05 Uhr / Mephisto – Gustaf Gründgens & Klaus Mann
Dokumentation, Frankreich, Deutschland, 2025, SWR        55 Min.
Regie: André Schäfer
Online verfügbar von 28/11/2026 bis 08/03/2027
Erstausstrahlung

Klaus Mann schreibt „Mephisto“ im Exil als Abrechnung mit einem Künstler, der sich dem NS-Regime anpasst. Vorbild ist sein früherer Freund Gustaf Gründgens. Der Roman erscheint 1936 in Amsterdam, in Deutschland wird er verboten. Mann stirbt 1949 an einer Überdosis Schlaftabletten. Die Doku erzählt von Freundschaft und Verrat, und der Frage, welche Verantwortung Künstler tragen.

Der Roman „Mephisto“ gehört zu den wirkmächtigsten und umstrittensten Texten der deutschen Nachkriegsgeschichte. Klaus Mann schrieb ihn 1936 im Exil als Abrechnung mit einem Typus: dem Künstler, der sich dem Nationalsozialismus beugt und dafür Erfolg, Macht und Schutz erhält. Vorbild der Hauptfigur Hendrik Höfgen war Gustaf Gründgens, Schauspieler, Intendant und einst enger Freund Manns.

Während Klaus und Erika Mann Deutschland verlassen, steigt Gründgens zum Protegé Hermann Görings auf und wird einer der einflussreichsten Theatermacher des Reiches. Nach 1945 setzt er seine Karriere nahezu ungebrochen fort. Als „Mephisto“ in der Bundesrepublik erscheinen soll, wird der Roman auf Betreiben von Gründgens‘ Adoptivsohn verboten. Erst 1981 erscheint das Buch im Westen und wird zum Bestseller.

Klaus Mann erlebt diesen Erfolg nicht mehr. Enttäuscht vom Umgang des Nachkriegsdeutschlands mit seiner Vergangenheit, politisch isoliert und zunehmend verzweifelt, begeht er 1949 Suizid.

Die Dokumentation verwebt Roman, Biografien und Zeitgeschichte. Anhand von Tagebüchern, Briefen und Archivmaterial erzählt der Film von einer zerstörten Freundschaft, von Kunst und Macht, von Opportunismus und Haltung. „Mephisto“ wird so zu einem zeitlosen Spiegel für die Frage, welche Verantwortung Künstler tragen und wie fragil Freiheit und Moral in autoritären Zeiten sind.

Samstag, 28.11. / 00:05 Uhr / Charles Gounod: Faust
Bayerische Staatsoper, München
Oper, Deutschland, 2026, BR        183 Min.
Regie: Miriam Hoyer
Inszenierung: Lotte de Beer
Dirigent: Nathalie Stutzmann
Orchester: Bayerisches Staatsorchester
Chorleitung: Christoph Heil
Chor: Bayerischer Staatsopernchor
Libretto: Jules Barbier, Michel Carré
Kostüme: Jorine van Beek

Mit: Jonathan Tetelman (Faust), Kyle Ketelsen (Mephisto), Olga Kulchynska (Margarete), Florian Sempey (Valentin), Thomas Mole (Wagner), Emily Sierra (Siebel), Dshamilja Kaiser (Marthe Schwerdtlein)

Online verfügbar von 28/11/2026 bis 27/05/2027
Erstausstrahlung

Großer Applaus an der Bayerischen Staatsoper für „Faust“ (1859) von Charles Gounod, inszeniert von Lotte de Beer. Als Weltklassebesetzung begeistern Jonathan Tetelman, Kyle Ketelsen und Olga Kulchynska in den Hauptrollen. Dirigentin Nathalie Stutzmann führt das Bayerische Staatsorchester mit Eleganz und dramatischer Kraft – eine der herausragenden Opernproduktionen der Saison.

Großer Erfolg für die Produktion von „Faust“ (1859) von Charles Gounod an der Bayerischen Staatsoper: Die Inszenierung von Lotte de Beer wurde 2026 von Publikum und Kritik gleichermaßen gefeiert. Mit psychologischer Präzision und klarer Bildsprache eröffnet sie einen neuen Blick auf die zeitlose Geschichte nach Johann Wolfgang von Goethe über Ehrgeiz, Versuchung und Erlösung.

In der Titelrolle überzeugt Jonathan Tetelman mit einer vokal strahlenden und darstellerisch intensiven Interpretation. Seine nuancierte Gestaltung macht Fausts inneren Konflikt mit lyrischer Sensibilität und emotionaler Tiefe erlebbar. An seiner Seite fasziniert Kyle Ketelsen als charismatischer Méphistophélès mit vokaler Autorität und subtiler Bedrohlichkeit. Olga Kulchynska ergänzt das zentrale Trio als Marguerite mit leuchtendem Sopran und großer emotionaler Aufrichtigkeit.

Die Produktion markiert zugleich das Debüt der Dirigentin Nathalie Stutzmann an der Bayerischen Staatsoper. Am Pult des Bayerisches Staatsorchester gestaltet sie Gounods Partitur mit Eleganz, klanglicher Transparenz und dramatischer Spannweite.

In der Bildregie von Myriam Hoyer bewahrt die audiovisuelle Aufzeichnung die musikalische Exzellenz, dramatische Intensität und visuelle Raffinesse der Inszenierung. Mit herausragender Besetzung, inspirierter musikalischer Leitung und klarer künstlerischer Vision erweist sich dieser neue „Faust“ als eine der prägenden Opernproduktionen der Spielzeit 2025/2026 an der Bayerischen Staatsoper.

Samstag, 28.11. / 03:10 Uhr / John Cranko choreographiert „Onegin“ 1967
Sternstunden der Musik
Dokumentation, Deutschland, 2026, ZDF        43 Min.
Regie: Jan Schmidt-Garre
Online verfügbar von 17/10/2026 bis 16/04/2027
Wiederholung vom 18.10.2026

Sonntag, 29.11. (1. Advent) / 08:35 Uhr / Die Filmmusik von John Williams
Sternstunden der Musik
Dokumentation, Deutschland, 2026, ZDF        43 Min.
Regie: Sophia Wischmann, Wilma Pradetto
Dirigent: Gustavo Dudamel
Orchester: Los Angeles Philharmonic
Komponist und Autor: Ramin Djawadi, John Williams
Mit: Chloé Dufresne (Dirigentin), Sarah Willis (Hornistin), Braimah Kanneh-Mason (Geiger), Anne-Sophie Mutter (Geigerin)
Online verfügbar von 24/10/2026 bis 23/04/2027
Wiederholung vom 25.10.2026

Sonntag, 29.11. (1. Advent) / 09:20 Uhr / Die Uffizien ~ Erzählt von ihrem Aufsichtspersonal
Dokumentationsreihe, Deutschland, 2023, ZDF        26 Min.
Regie: Corinna Belz
Online verfügbar von 29/11/2026 bis 28/03/2027

Tausende Besucherinnen und Besucher kommen täglich in die Uffizien, ihre Sammlung ist eine der bedeutendsten der Welt. Drei der vielen Aufseher des hochkarätigen Museums zeigen uns ihre Lieblingsbilder und öffnen Türen, die für die Öffentlichkeit verschlossen sind. Mit ihren detailverliebten Augen und echter Begeisterung entdecken sie ungewohnte Geschichten in den Kunstwerken.

Sie sind die oft unterschätzten Kunstkenner in den Museen: die Aufsichtspersonen. Niemand verbringt so viel Zeit mit den Kunstwerken wie sie – und sie haben viel zu erzählen über ihre Lieblingswerke, über ihr Haus und über die Besucher und Besucherinnen.

In diesem Film nehmen sie uns mit in die Uffizien, das weltbekannte Museum in Florenz, in das täglich Tausende Besucher strömen. Aber die Räume hinter den Ausstellungssälen kennen nur Eingeweihte. Die Aufsichten öffnen die Türen zu verborgenen Räumen, die die Besucher nicht betreten dürfen. Marta Pierini nimmt uns mit in das Depot, in dem unzählige Bilder darauf warten, ausgestellt zu werden. Darunter auch ihr persönlicher Favorit, ein Gemälde der Barockkünstlerin Rosalba Carriera. Marta erzählt mit ansteckender Begeisterung, was sie an der Künstlerin fasziniert. Mit Carolina Forasassi sind wir in der Tribuna, dem ältesten Ausstellungssaal des Hauses, in den die Besucher zwar hineinschauen, ihn aber nicht betreten dürfen.

Eine Reise durch die Kunstgeschichte und ein neuer Blick hinter die Kulissen der Uffizien. Mit viel Detailwissen, Humor und Emotionalität erwecken die Kunsthüter, die selbst meistens übersehen werden, das kulturelle Erbe Europas zum Leben.

Sonntag, 29.11. (1. Advent) / 16:50 Uhr / Victor Horta und der Jugendstil ~ Ein Traum aus Glas und Stahl
Dokumentation, Frankreich, 2026, ARTE F        53 Min.
Regie: Stéphane Ghez
Online verfügbar von 10/11/2026 bis 25/04/2027
Erstausstrahlung

Mit dem Hôtel Tassel in Brüssel gelang dem Architekten Victor Horta 1893 ein großer Erfolg. Aus Glas und Stahl schuf er lichtdurchflutete Räume und eine an die Natur angelehnte Formensprache. Die Dokumentation zeigt das Leben des Künstlers und den Schaffensdrang der Belle Epoque in Europa. Gleichzeitig beleuchtet sie den Kampf um den Erhalt der Jugendstilbauten in Brüssel.

Die Dokumentation erzählt die Geschichte eines erst bejubelten, dann rasch wieder vergessenen Kreativen, und die eines seiner Meisterwerke. Der belgische Architekt Victor Horta gilt als Begründer der Art Nouveau, der belgischen Version des Jugendstils. Hortas erster großer Erfolg war 1892/93 die Privatvilla Hôtel Tassel in Brüssel. Er verwendete Glas und Stahl, um den Wohnraum zu öffnen. So entstanden lichtdurchflutete Räume. Bis hin zu kleinsten Details verstand sich Hortas Innendesign als maßgeschneiderter Traum von Schönheit.

Sein architektonisches Manifest war ein Gebäude für die belgische Arbeiterpartei. Das 1899 von Jean Jaurès eröffnete „Maison du Peuple“ wurde allerdings 1965 abgerissen und an seiner Stelle ein Betonhochhaus errichtet.

Der Erste Weltkrieg setzte der Art Nouveau ein Ende, obwohl sich die Formensprache als Ausdruck von Humanismus und Traum von einem neuen Europa verstand. In Frankreich und Belgien brachte man dem Stil fast nur noch Verachtung entgegen. Und so geriet Victor Horta, der diese paneuropäische Kunstbewegung etabliert hatte, schon bald in Vergessenheit. Nach Hortas Tod 1947 mobilisierten sich seine Anhänger, um seine Werke vor der Zerstörung zu retten. Entlang ihrer Recherchen und Initiativen verfolgt die Dokumentation Leben und Wirken des Architekten, um seine Arbeitsweise besser zu verstehen und die Geheimnisse des „Maison du Peuple“ zu ergründen, von dem nur einige Überreste erhalten sind.

Sonntag, 29.11. (1. Advent) / 17:45 Uhr / Spanische Klänge ~ Concierto de Aranjuez
Musik, Frankreich, 2025, ARTE F        44 Min.
Regie: Isabelle Soulard
Komponist: Joaquín Rodrigo, Georges Bizet, Johann Strauss, Joseph Strauss
Dirigent: Yutaka Sado
Orchester: Orchestre National de France
Mit: Thibaut Garcia (Gitarre)
Online verfügbar von 22/11/2026 bis 29/12/2026
Erstausstrahlung

Mit Melodien aus Georges Bizets „Carmen“ steigt das Pariser Orchestre National de France beschwingt ein in einen Abend, der den musikalischen Traditionen der iberischen Halbinsel gewidmet ist. Der Gitarrist Thibaut Garcia interpretiert einen Klassiker seines Instruments, das „Concierto de Aranjuez“ von Joaquín Rodrigo.

Joaquín Rodrigos Solokonzert für Gitarre und Orchester von 1939, das „Concierto de Aranjuez“, steht im Zentrum dieses Abends des Orchestre National de France unter der Leitung von Yutaka Sado. Uraufgeführt wurde es 1940 in Barcelona. Rodrigo, der seit seiner Kindheit erblindet war, beschreibt in diesem Konzert die Gärten des Königlichen Palastes von Aranjuez nahe Madrid.

Zum spanischen Flaire tragen auch die Melodien aus „Carmen“ bei, mit denen Yutaka Sado das Konzert eröffnet. Georges Bizet schuf die wohl spanischste aller Opern, obwohl er selbst zeit seines Lebens nie in Spanien war.

Mit Georges Bizets „Arlésienne“ kommt das Konzert zum Abschluss, doch zuvor gibt es noch einen musikalischen Abstecher nach Wien. Die Geiger legen ihre Bögen weg und interpretieren die „Pizzicato-Polka“ der Brüder Johann und Josef Strauss, ein kurzes und originelles Werk für Streicher, das ausschließlich gezupft wird.

Programm:
Georges Bizet – Carmen, Auszüge der „Suite Nr. 1“ („Les Toréadors, Prélude“) und der „Suite Nr. 2“ („Habanera“, „Chanson bohème“)
Joaquín Rodrigo – „Concerto d’Aranjuez“
Johann und Josef Strauss – „Pizzicato-Polka“
Georges Bizet – „L’Arlésienne: Suite Nr. 2“
Aufzeichnung vom 31. Dezember 2025 aus dem Auditorium von Radio France, Paris.

Sonntag, 29.11. (1. Advent) / 21:55 Uhr / Kamera und Kriegsbeil ~ Amerikas Ureinwohner im Spiegel Hollywoods
Dokumentation, Frankreich, 2024, ARTE F        59 Min.
Regie: Clara Kuperberg, Julia Kuperberg
Online verfügbar von 22/11/2026 bis 28/12/2027
Erstausstrahlung

Vor über 100 Jahren erfand Hollywood mit dem „Indianer“ den perfekten Bösewicht – und der Westernfilm erwuchs zum Inbegriff des amerikanischen Rassismus. Diese Lesart diente nicht zuletzt dazu, den Völkermord zu verschleiern, aus dem die Vereinigten Staaten hervorgingen. Die Dokumentation setzt sich damit auseinander, welches Bild der Indigenen Hollywood lange Zeit geprägt hat.

In den Anfängen des Kinos tauchten indigene Bevölkerungsgruppen erstmals im sogenannten Western auf; meist als negative Archetypen. Über 40 Jahre lang verherrlichten Westernfilme den Mythos der „Manifest Destiny“, demzufolge die eingewanderten weißen Siedler dazu bestimmt waren, sich über den gesamten nordamerikanischen Kontinent auszubreiten.

Der Vietnamkrieg, die Bürgerrechtsbewegung der Afroamerikaner und die Proteste der 1960er und 1970er Jahre veränderten auch das Kino. Es entstand eine neue Art von Filmen, die die amerikanischen Ureinwohner aus einer menschlichen Perspektive zeigten und die an ihnen verübten Massaker thematisierten. Filme wie „Little Big Man“ und „Das Wiegenlied vom Totschlag“ gelten als Parabeln für die Gräueltaten in Vietnam. Sie zeigen erstmals die Verbrechen, die die US-Regierung an indigenen Stämmen begangen hat.

Doch erst der große Erfolg des 1990 erschienenen Spielfilms „Der mit dem Wolf tanzt“ von Kevin Costner ebnete den Weg für Produktionen mit indigenen Schauspielern. Filme wie „The New World“ (2005) von Terrence Malick und „Smoke Signals“ (1997) von Sherman Alexie vermittelten ein respektvolleres Bild der amerikanischen Ureinwohner. Spätere Werke wie „The Rider“ (2017) von Chloé Zhao stellten Schauspieler indigener Herkunft in realistischen und komplexen Rollen in den Mittelpunkt. Doch trotz dieser unbestrittenen Fortschritte sind indigene Darsteller weiterhin unterrepräsentiert und auf dem Filmmarkt weniger erfolgreich.

Die Dokumentation gibt den Ureinwohnern das Wort, um ihren Teil der amerikanischen Geschichte zu erzählen.

Sonntag, 29.11. (1. Advent) / 22:55 Uhr / Irresistible Gary Cooper
Dokumentation, Frankreich, 2019, ARTE F        54 Min.
Regie: Clara Kuperberg, Julia Kuperberg
Online verfügbar von 19/10/2026 bis 24/05/2027
Wiederholung vom 26.10.2026

Sonntag, 29.11. (1. Advent) / 23:50 Uhr / Bergmannsklavier – Bandoneón
Dokumentation, Deutschland, 2025, SWR        57 Min.
Regie: Wiebke Pöpel
Autor:in: Wiebke Pöpel
Produzent: Wiebke Pöpel
Online verfügbar von 29/11/2026 bis 29/11/2028
Erstausstrahlung

Als Tango-Instrument hat das Bandoneon weltweiten Ruhm erlangt. Aber fast niemand weiß, dass seine Geschichte im 19. Jahrhundert als deutsches „Bergmannsklavier“ begann, bevor es mit den europäischen Auswanderern nach Argentinien gelangte. Die bunte, kurzweilige Dokumentation geht der Geschichte dieses Ausnahmeinstruments in Deutschland, Argentinien und Frankreich nach.

Die Geschichte des Tango-Instruments Bandoneon begann im 19. Jahrhundert als „Bergmannsklavier“ in Deutschland und gelangte erst danach mit den europäischen Auswanderern nach Argentinien. Was niemand weiß: Vor hundert Jahren gab es in Deutschland mehr Bandoneonvereine als heute Fußballvereine und fast alle Instrumente auf der Welt stammten aus einem einzigen Dorf im Erzgebirge – weitergegeben von Generation zu Generation, eingetauscht gegen Schafe und Kälber.

Die bunte, kurzweilige Dokumentation von Helena Rüegg und Wiebke Pöpel geht der Geschichte dieses Ausnahmeinstruments in Deutschland, Argentinien und Frankreich auf den Grund. Bisher unveröffentlichtes, animiertes Archivmaterial lässt vergangene Kapitel der faszinierenden Kulturgeschichte des Bandoneons wieder auferstehen und stellt sie einer lebendigen Bandoneon-Szene gegenüber, die vielfältiger nicht sein könnte: Namhafte argentinische Bandoneon-Stars (Ayelén Pais, Victor Villena, Fernandez Fierro) beglücken uns nicht nur mit Tango, sondern auch mit Bach-Suiten und Bandoneon-Hardrock. Das hochbetagte, letzte Bandoneonorchester des Ruhrgebiets spielt traditionelle Bergmannslieder, und die junge französische Bandoneon-Virtuosin Louise Jallu entlockt dem Instrument Geräusche und Klänge, die man so noch nie gehört hat.

Montag, 30.11. / 22:20 Uhr / Jack Nicholson – Einer flog über Hollywood
Dokumentation, Frankreich, 2018, ARTE F        54 Min.
Regie: Emmanuelle Nobécourt
Online verfügbar von 23/11/2026 bis 30/12/2026

Exzentrisch, unberechenbar und genial: Mit zwölf Oscar-Nominierungen hält Jack Nicholson den Schauspieler-Rekord, dreimal holte er Gold. Er ist eine Hollywood-Ikone, so allgegenwärtig wie unergründlich. Das Porträt folgt mit Interviews und Filmausschnitten auf den Spuren des Filmstars und sucht nach dem Menschen hinter der Legende.

Jack Nicholson gilt schon seit langem als Schauspiellegende. Doch er bewegt sich außerhalb jeder Norm. Unberechenbar und ungreifbar entzieht er sich jeder Festlegung. Mal zeigt er sich liebenswert, mal unheimlich, mal verführerisch, mal furchteinflößend. Doch all seine ungleichen Rollen haben eines gemeinsam: In ihnen steckt eindeutig Jack Nicholson. Alle Charaktere, die er im Laufe seines Lebens gespielt hat, bilden einen Teil seiner eigenen Persönlichkeit ab: Während seiner langjährigen Karriere, die von „Easy Rider“ bis „Batman“, von „Einer flog über das Kuckucksnest“ bis „Shining“ zahlreiche Kultfilme hervorbrachte, zementierte Nicholson seinen Ruf als einer der talentiertesten Schauspieler seiner Generation.

Frauen, Drogen, Exzesse – Nicholson hat wenig ausgelassen in seinem Leben. Er hat fünf Kinder von vier Frauen und war nur einmal verheiratet – von 1962 bis 1968 mit Schauspielkollegin Sandra Knight. Mit Anjelica Huston, Tochter von US-Regisseur John Huston, führte er jahrelang eine bewegte Beziehung. Sie zerbrach endgültig, als er die beste Freundin seiner Tochter Jennifer, das Model Rebecca Broussard, schwängerte.

Nicholson ist 1937 als uneheliches Kind einer jungen Tänzerin in New Jersey zur Welt gekommen. Er wuchs bei ihren Eltern auf und erfuhr erst mit 37 Jahren, dass seine vermeintliche ältere Schwester June in Wahrheit seine Mutter war. Seine große Hollywoodkarriere fing klein an, mit Botenjobs in der Trickfilmabteilung von Metro-Goldwyn-Mayer. Eine seiner ersten Filmrollen verdankte er dem Trash-Meister Roger Corman in dem Gruselstreifen „Kleiner Laden voller Schrecken“. Seinen Durchbruch feierte er als alkoholsüchtiger Anwalt George Hanson in dem Roadmovie „Easy Rider“.

Die Dokumentation zeigt zahlreiche Filmausschnitte und unveröffentlichtes Archivmaterial. Erstmals wird deutlich, was sich hinter Hollywoods berühmtesten Lächeln verbirgt. Es ist das Gesicht eines Rastlosen, der von frühester Kindheit an gelernt hat zu verbergen, wer er wirklich ist.

Montag, 30.11. / 02:15 Uhr / Christmas in Vienna ~ Glanzlichter
Musik, Frankreich, Österreich, 2021, ARTEORF        60 Min.
Fernsehregie: Agnes Méth, Felix Breisach
Dirigent: Christian Arming, Karel Mark Chichon, Sascha Goetzel, Stefan Gottfried, Erwin Ortner
Orchester: ORF Radio-Symphonieorchester Wien, Wiener Symphoniker
Chor: Wiener Sängerknaben, Wiener Singakademie, St. Florianer Sängerknaben

Mit: Elīna Garanča, Marianne Crebassa, José Cura, Angelika Kirchschlager, Juan Diego Flórez, Anne Sofie von Otter, Piotr Beczała, Grace Bumbry, Angela Denoke, Bo Skovhus, Bernarda Fink, Sophie Koch, Genia Kühmeier, Elisabeth Kulman, Valentina Nafornita, Olga Peretyatko

Online verfügbar von 30/11/2026 bis 23/12/2026

Elina Garanca, Marianne Crebassa, José Cura, Angelika Kirchschlager, Juan Diego Florez, Anne Sophie von Otter, Piotr Beczała, Grace Bumbry, Angela Denoke singen Klassiker und Weihnachtslieder aus aller Welt. Für Weihnachtsstimmung sorgen vor allem die St. Florianer und die Wiener Sängerknaben. Es spielen die Wiener Symphoniker und das ORF Radio Symphonieorchester Wien.

Das traditionelle Weihnachtskonzert verzaubert alljährlich mit klassischer und populärer Weihnachtsmusik aus aller Welt. Nach einem pandemiebedingten Ausflug ins Hotel Sacher sollte „Christmas in Vienna“ 2021 wieder im Wiener Konzerthaus stattfinden, doch die aktuelle Situation damals lässt es nicht zu. Weihnachtsstimmung gibt es trotzdem und gerade deswegen: „Christmas in Vienna“ präsentiert die Glanzlichter aus der langjährigen Erfolgsgeschichte des Wiener Weihnachtskonzerts.

„Christmas in Vienna“ im Wiener Konzerthaus – das bedeutet von jeher nicht nur weihnachtliche Vorfreude und stimmungsvolle Musik, sondern auch ein Stelldichein nationaler und internationaler Künstlerinnen und Künstler: Elīna Garanča, José Cura, Angelika Kirchschlager, Juan Diego Flórez, Marianne Crebassa, Anne Sofie von Otter, Piotr Beczała, Grace Bumbry und Angela Denoke sind nur einige der Sängerinnen und Sänger, die zusammen mit den St. Florianer und Wiener Sängerknaben musikalisch auf den Heiligen Abend einstimmen. In diesem Streifzug durch die Konzerte seit 2006 spielen unter der Leitung von Karel Mark Chichon, Erwin Ortner und Sascha Goetzel die Wiener Symphoniker und das ORF Radio Symphonieorchester Wien.

Mittwoch, 02.12. / 23:55 Uhr / Marquis de Sade und sein Skandalroman „Justine“
Dokumentation, Frankreich, 2023, ARTE F        54 Min.
Regie: Aurélien Guégan
Online verfügbar von 25/11/2026 bis 30/06/2027
Erstausstrahlung

„Sex and Crime“ ist kein Phänomen des 21. Jahrhunderts. Der Roman „Justine oder vom Missgeschick der Tugend“, den der Marquis de Sade Ende des 18. Jahrhunderts schrieb, zeugt davon. Bis heute hat er nichts von seiner subversiven Sprengkraft verloren. Die Doku erzählt, wie der skandalöse Klassiker entstanden ist und gibt Einblicke in das nicht weniger skandalöse Leben des Autors.

Die Dokumentation befasst sich mit Marquis de Sades Roman „Justine oder vom Missgeschick der Tugend“, den der Autor kurz vor Ausbruch der Französischen Revolution in einer Zelle der Bastille verfasste. Niemand hat Grausamkeit so klinisch genau beschrieben wie Sade. Dabei versicherte dieser, die unzähligen in seinen Werken geschilderten Misshandlungen und Demütigungen seien allein seiner Fantasie geschuldet und verfolgten den Zweck, über die Menschheit und ihre monströsen Verfehlungen aufzuklären – die Verfehlungen einer Welt, in der sich nur Verbrechen auszahlen und in der die Gesetze des Staates dem Gesetz des Stärkeren Vorschub leisten.

Dies gilt auch für die heutige Zeit, nur sind an die Stelle der absolutistischen Aristokraten die Gewinner des Kapitalismus getreten. Wo heute eine neue, feministische Lesart der Literaturklassiker deren Ambivalenz enthüllt, bleibt Sade seltsamerweise von der Kritik verschont. Als sei da nichts zu retten, als sei das Tabu zu offensichtlich, um sein Werk zu hinterfragen. Tatsächlich wird Sade nicht mehr so oft gelesen und kaum jemand weiß, dass der Begriff „Sadismus“ vom Namen dieses Schriftstellers abgeleitet ist.

Die Dokumentation richtet den Fokus auf eine Frau, die in Sades Werk eine Ausnahme bildet und Rätsel aufgibt: Justine. Sie könnte durchaus eine Heldin des 21. Jahrhunderts sein, eine paradoxe Opferfigur, die ihren schlimmsten Peinigern die Stirn bietet und unbestechlich bleibt.

Freitag, 04.12. / 21:45 Uhr / Billy Idol: Punk, Überlebenskünstler, Ikone
Dokumentation, USA, 2025, ZDF        114 Min.
Regie: Jonas Åkerlund
Online verfügbar von 20/11/2026 bis 19/05/2027
Erstausstrahlung

Billy Idol, Jahrgang 1955, ist einer der großen Provokateure der Rockgeschichte: Musiker, Punk-Ikone und Überlebender. Ein Grenzgänger des Rock, der seine Karriere auf Gefahr, Aufbegehren und ständiger Neuerfindung aufgebaut hat. Aus der Londoner Punk-Szene wird er zu einem prägenden Gesicht des MTV-Zeitalters der 1980er Jahre und verkörpert damit den rauen Geist einer ganzen Generation.

Aufgewachsen in der britischen Subkultur, macht sich Billy Idol, Jahrgang 1955, schnell einen Namen in der Londoner Punk-Szene. Doch die Clubs werden ihm bald zu klein. Mit dem Umzug in die USA gelingt ihm schließlich der Durchbruch im Massenmedium Fernsehen.

Mit Songs wie „White Wedding“, „Rebel Yell“ und „Dancing With Myself“ schreibt Billy Idol Popgeschichte. Mit seinen ikonischen Hits wächst er vor den Kameras zum globalen Phänomen heran und wird zum prägenden Gesicht der frühen Musikfernseh-Ära. Er verkauft weltweit schätzungsweise mehr als 40 Millionen Platten, feiert internationale Top-Ten-Erfolge und wird 2026 in die „Rock & Roll Hall of Fame“ aufgenommen. Doch hinter dem markanten Grinsen und der blonden Stachelfrisur steckt ein Mensch im ständigen Ausnahmezustand, geprägt von Selbstzerstörung, zahlreichen Exzessen und Abstürzen.

Immer wieder steht er am Abgrund und ist kurz davor, alles zu verlieren – mehrfach riskiert er sein Leben und entgeht nur knapp dem Tod. Dass Billy Idol heute noch auf der Bühne steht, zeigt, dass er es schafft, sich immer wieder zurück ins Leben zu kämpfen. Das Leben eines Musikers, der nicht leise verschwinden will – voller Ruhm, Rebellion, Sucht und Absturz, vor allem aber eine Geschichte vom Überleben.

Freitag, 04.12. / 23:40 Uhr / ARTE Concert Festival 2026: Shygirl
Musik, Frankreich, 2026, ARTE F        75 Min.
Regie: David Ctiborsky
Erstausstrahlung

Mutig, lässig, bombastisch: Shygirl verbindet Clubkultur, Mode und Bildende Kunst und hat sich einen eigenen Platz in der internationalen Popszene erobert. Nach ihrem Debütalbum „Nymph“ (2022) und „Club Shy“ (2024) stellt sie beim ARTE Concert Festival 2026 ihr neues Album „Swallow!“ vor.

Shygirl hat sich mit einem künstlerischen Universum an der Schnittstelle von Clubkultur, Mode und Bildender Kunst in der internationalen Popszene etabliert. Nach ihrem Debütalbum „Nymph“ (2022), „Club Shy“ (2024) und dem Remix-Projekt „ALIAS is ME“ bringt sie beim ARTE Concert Festival 2026 ihr neues Album „Swallow!“ auf die Bühne.

In der Vergangenheit arbeitete sie mit Künstlerinnen und Künstlern wie Charli xcx, Arca, SOPHIE, FKA twigs, Björk, Mura Masa und Sega Bodega zusammen und trat weltweit auf. Ihre besondere Ästhetik bescherte ihr auch internationale Kooperationen mit Designermarken wie Louis Vuitton, Coach, Burberry und Mugler.

„Swallow!“ entstand gemeinsam mit Karma Kid und Casey MQ. Shygirl bezeichnet es als eine Art künstlerische Neupositionierung. Bereits bei „Nymph“ zeigte sie, wie sie verschiedene musikalische Ausdrucksformen souverän verbindet – von wuchtigen Club-Beats bis zu eindringlichen Hyper-Pop-Elementen. Ihre Musik führte vom Elektro-Underground in den zeitgenössischen Pop.

Mit „Swallow!“ entwickelt sie eine neue Form des Indie-Songwritings, das eng mit der elektronischen Musik ihrer Ursprungsszene verwoben bleibt. Das Album thematisiert die Liebe auf den ersten Blick und die damit einhergehende Erfahrung einer tiefgreifenden persönlichen Verwandlung. „Ich möchte die Leute daran erinnern, wie unermesslich groß die Welt ist – gerade, wenn sie sich selbst klein und elend fühlen“, sagt Shygirl. „‚Swallow!‘ ist der Soundtrack zu dieser Erfahrung. Dieses Album ist eine persönliche Flaschenpost von mir. Mal sehen, wer sie findet.“

Programmwoche 50:

Samstag, 05.12. / 00:50 Uhr / BBC Proms – Marin Alsop & Benjamin Grosvenor
Musik, Großbritannien, 2022, ARTE F 114 Min.
Regie: Helen Mansfield
Komponist: Hannah Eisendle, Sergej Prokofiew, Antonín Dvořák, Béla Bartók, Maurice Ravel
Dirigent: Marin Alsop
Orchester: ORF Radio-Symphonieorchester Wien
Mit: Benjamin Grosvenor (Klavier)
Online verfügbar von 28/11/2026 bis 31/03/2027
Erstausstrahlung

Marin Alsop dirigiert das ORF Radio-Symphonieorchester Wien und den Pianisten Benjamin Grosvenor bei den BBC Proms 2022 in der Royal Albert Hall. Zur Aufführung kommen Sergej Prokofjews 3. Klavierkonzert und Antonín Dvořáks 7. Symphonie.

Im 19. Jahrhundert entstanden mit den sogenannten „Proms“, abgeleitet von „Promenade series“, die beliebten Londoner Promenadenkonzerte. Entspannter als traditionelle Konzerte, laden diese Wandelkonzerte sowohl Melomanen als auch Amateure dazu ein, sich frei im Konzertsaal zu bewegen, während sie dem Orchester zuhören. Das etablierte Festival „BBC Proms“ verbindet musikalische Exzellenz mit Niedrigschwelligkeit und ist ein begehrtes Event.

Für den Konzertabend mit dem ORF Radio-Symphonieorchester Wien dirigiert die renommierte und inspirierende Chefdirigentin Marin Alsop das traditionsreiche Wiener Orchester. Diese Aufführung testet die Grenzen des Orchesters aus und erkundet neue Werke.

Marin Alsop dirigiert ein mitreißendes Programm: Sergej Prokofjews 3. Klavierkonzert mit dem Starpianisten Benjamin Grosvenor, „Der wunderbare Mandarin“ von Béla Bartók, Antonín Dvořáks siebte Sinfonie sowie ein neueres Werk der Wiener Komponistin Hannah Eisendle.

So bietet das Programm des Abends eine große Vielfalt der mitteleuropäischen Musiktradition, von der stürmischen Dramatik der tanzbaren böhmischen Melodien in Dvořáks Siebter bis hin zur britischen Erstaufführung von „Heliosis“. Das Stück wurde eigens für Alsop und das Symphonieorchester Wien komponiert und stammt aus der Feder der jungen Wiener Komponistin Hannah Eisendle, die ein ausgeprägtes Gespür für Dramatik unter Beweis stellt.

Sonntag, 06.12. (2. Advent) / 05:35 Uhr / Daniel Hope & Freunde in New York
Mit Shaggy, Ailyn Pérez u.v.m.
Musik, Deutschland, USA, 2023, ZDF 43 Min.
Regie: Stefan Mathieu
Komponist: Johann Sebastian Bach, Franz Liszt, George Gershwin, Josef Suk, Manuel Ponce, Hugh Martin, Ralph Blane

Mit: Shaggy (Gesang), Fiona Khuong-Huu (Violine), Rohan De Silva (Klavier), Lise de la Salle (Klavier), Marcus Roberts, Marcus Roberts Trio, Ailyn Pérez (Sopran), Bryan Wagorn (Klavier)

Online verfügbar von 05/10/2026 bis 04/06/2027

Im Jahr 2023 sendet Daniel Hope sein traditionelles Weihnachtskonzert nicht aus seinem Wohnzimmer, sondern aus der inoffiziellen Weihnachtshauptstadt der Welt: New York. Seine Gäste sind die Violinistin Fiona Khuong-Huu, der sri-lankische Pianist Rohan de Silva, die französische Pianistin Lise de la Salle sowie der amerikanische Jazzpianist und Komponist Marcus Roberts mit Trio.

Das Weihnachtskonzert mit Daniel Hope aus seinem Wohnzimmer ist zu einer Tradition auf ARTE geworden. Im Jahr 2023 begrüßte der Violinist das Publikum jedoch nicht aus seinem Berliner Wohnzimmer, sondern aus einer Stadt, die sich im Dezember zur Weihnachts-Welthauptstadt verwandelt: New York!

Für „Daniel Hope & Freunde in New York“ konnte der Violinist herausragende internationale Musikerinnen und Musiker gewinnen, die mit ihm ein einzigartiges Weihnachtskonzert spielen: die 16-jährige gebürtige New Yorkerin Fiona Khuong-Huu an der Violine, die amerikanische Sopranistin Ailyn Pérez, die französische Pianistin Lise de la Salle, den jamaikanischen Reggae-Musiker Shaggy, den sri-lankischen Pianisten Rohan de Silva, den kanadischen Pianisten Bryan Wagorn sowie den amerikanischen Jazzpianisten und Komponisten Marcus Roberts mit seinem Trio. Ihr abwechslungsreiches Repertoire reicht von klassischen Werken über Jazz-Titel bis hin zu Traditionals und einem Weihnachtsklassiker.

Ein stimmungsvolles Konzert, das die Vorfreude auf Weihnachten und die Freundschaft zwischen den Nationen zelebriert.
    Programm:
    – Johann Sebastian Bach
    „Sonate für Violine und Cembalo Nr. 4“, BWV 1017, „Siciliano“
    Lise de la Salle, Klavier & Daniel Hope, Violine

    – Franz Liszt
    „Liebeslied (Widmung)“ von Robert Schumann
    Lise de la Salle

    – George Gershwin: „The Man I Love“
    Daniel Hope, Violine & Marcus Roberts Trio

    – Frank Sinatra: „Fly me to the Moon“
    Shaggy & Marcus Roberts Trio

    – Josef Suk: „Píseň lásky“ („Liebeslied“) Op. 7, Nr. 1
    Fiona Khuong-Huu, Violine & Rohan De Silva, Klavier

    – Manuel Ponce: Estrellita
    Ailyn Pérez, Sopran & Bryan Wagorn, Klavier

    – „Danny Boy“
    Daniel Hope, Violine & Rohan De Silva, Klavier

    – Hugh Martin/Ralph Blane: „Have Yourself a Merry Little Christmas“
    Ailyn Pérez, Sopran mit Daniel Hope, Violine & Bryan Wagorn, Klavier

Sonntag, 06.12. (2. Advent) / 06:20 Uhr / Das Wunder des Hörens
Dokumentation, Deutschland, 2019, ZDF 52 Min.
Regie: Ralph Loop
Online verfügbar von 05/12/2026 bis 05/01/2027

Selbst wenn der Mensch schläft, ist das Gehör hellwach. 24 Stunden auf Empfang, um Gefahrenquellen zu erkennen, zu kommunizieren und Orientierung zu bieten. Aber das Gehör leidet häufig unter Reizüberflutung und Stress. Laut WHO sind weltweit mehr als 400 Millionen Menschen von Hörverlust betroffen, mehr als eine Milliarde junger Menschen gelten als gefährdet.

Ohne das Multitalent Gehör wäre der Mensch in seiner Anfangszeit schutzlos vielen Gefahren ausgesetzt gewesen. Ohne funktionierendes Gehör kann er sich auch heute nur eingeschränkt verständigen, kann Probleme mit dem Gleichgewicht und der räumlichen Orientierung bekommen. Der blinde französische Unternehmer Didier Roche „sieht“ beispielsweise mit den Ohren. Seine Erfahrungen macht er auch für andere Menschen erlebbar, indem sie in seinen Restaurants in kompletter Dunkelheit zu Abend essen können.

Für einen Großteil der Weltbevölkerung sind die akustischen Reize seit der industriellen Revolution stark angewachsen. Das Gehör wird oft gewollt – beispielsweise durch Musikhören – und ungewollt durch Alltagslärm überfordert. Das führt bei Menschen heute schon in mittlerem Alter zu Höreinschränkungen und Hörverlust. Um Millionen von schwerhörigen Menschen wieder normal hören lassen zu können, arbeiten Forscher der Harvard Medical School und der University of Southern California an einem Ansatz, mit einem einfach einzunehmenden Medikament Zellen tief im Inneren des Ohres wiederzubeleben. Am Campus in Göttingen beschäftigen sich Tobias Moser und seine Teams neben der Grundlagenforschung zur Reizübermittlung mit der Wiederherstellung des Gehörs durch Optogenetik. Es ist der Versuch, nicht mehr auf Schall reagierende Nerven im Innenohr durch physikalische Lichtstimulanz zu aktivieren. Digitale Lichtquellen reizen dazu lichtempfindlich gemachte Synapsen in der Hörschnecke. Und Ellen Reisinger will mit einer Gentherapie Menschen mit bestimmten Formen von Taubheit wieder oder zum ersten Mal hören lassen.

Sonntag, 06.12. (2. Advent) / 09:00 Uhr / Der Prado ~ Erzählt von seinem Aufsichtspersonal
Dokumentationsreihe, Deutschland, 2023, ZDF 26 Min.
Regie: Tuan Lam
Online verfügbar von 29/11/2026 bis 31/01/2027

Das Museo del Prado in Spanien ist viel mehr als eine Sammlung herausragender Gemälde. Mit seinen Meisterwerken von Goya und Velázquez zählt der Prado zu den bedeutendsten Museen der Welt. Drei Aufseherinnen, die Tag für Tag vor den großen Werken stehen, zeigen ihre Lieblingsbilder und führen in die Räume, die dem Publikum sonst verborgen bleiben.

Jeden Tag strömen mehr als 10.000 Besuchende in das Museo del Prado. Es ist eines der bedeutendsten Museen der Welt und beherbergt Kunstschätze von Goya bis Velázquez. Doch der Prado ist mehr als eine Sammlung herausragender Meisterwerke, denn er symbolisiert, wie Direktor Miguel Falomir sagt, die Seele Spaniens.

Drei Aufseherinnen, die täglich vor den imposanten Gemälden stehen, stellen ihre Favoriten vor und öffnen dem Publikum Türen zu sonst verschlossenen Räumen. Sie führen zu Gemälden von Hieronymus Bosch, Joachim Patinir und Eduardo Rosales und überraschen mit detailliertem Wissen zu Kunstwerken, die einst Teil der königlichen Sammlung waren. Die Hofmaler der spanischen Herrscher, wie Francisco de Goya, sind bis heute Wahrzeichen des Museums. Im sonst verschlossenen Kabinett enthüllt Kurator José Manuel Matilla Goyas weltberühmten „Los Caprichos“, eine Zusammenstellung sozialkritischer Grafiken.

Die Begeisterung für das kulturelle Erbe Spaniens und Europas zieht sich durch alle Abteilungen des Prado, vom Direktor bis zum Kurator, von den Restauratoren bis zum Aufsichtspersonal. Oder wie die Aufseherin Laura Fernández Díaz es ausdrückt: „Hier ist das Kulturerbe, das allen Spaniern gehört – und für alle da ist.“

Sonntag, 06.12. (2. Advent) / 16:40 Uhr / Franz Marc. Zwischen den Zeiten
Dokumentation, Deutschland, 2026, ZDF 52 Min.
Regie: Mathias Frick
Online verfügbar von 06/12/2026 bis 06/03/2027
Erstausstrahlung

Franz Marc (1880–1916) suchte in seinen Gemälden Antworten auf die großen Fragen seiner Zeit: auf Krieg, Industrialisierung und das Verhältnis des Menschen zur Natur. Die Dokumentation schlägt einen Bogen von Franz Marc zu den Krisen der Gegenwart – zu Umweltzerstörung, Krieg und der Frage, was Kunst heute bewirken kann.

Franz Marcs (1880–1916) leuchtende Tiere waren keine idyllischen Naturbilder, sondern Gegenbilder zu einer Zeit, die von Industrialisierung, gesellschaftlichem Umbruch und Krieg geprägt war. Das Tier wurde für Marc zum Sinnbild einer anderen, geistigen Ordnung – einer Welt jenseits der menschlichen Zerstörung.

Franz Marc wurde nur 36 Jahre alt. In seinem kurzen Leben entwickelte er sich zu einem der bedeutendsten Künstler der deutschen Moderne. Auf dem Höhepunkt seines Schaffens zog er als Soldat in den Ersten Weltkrieg. 1916 fiel er bei Verdun.

Mehr als hundert Jahre später sind die Fragen, die Marc bewegten, überraschend aktuell. Die Dokumentation begegnet Künstlerinnen und Künstlern der Gegenwart, die mit ihren Arbeiten ebenfalls auf die Brüche unserer Zeit reagieren. In Lissabon verwandelt Artur Bordalo den Abfall unserer Konsumgesellschaft in monumentale Tiere und macht die Zerstörung der Natur sichtbar. Und Fabian Knecht bringt mit handgeknüpften Tarnnetzen aus der Ukraine die Realität des Krieges in den vermeintlich sicheren Museumsraum.

Die Dokumentation ist kein klassisches Künstlerporträt, sondern ein Dialog über die Zeiten hinweg: zwischen Franz Marcs „Blauen Pferden“ und Bordalos monumentalen Tieren aus Müll, zwischen expressionistischer Utopie und konkreter Kriegserfahrung, zwischen der Sehnsucht nach einer harmonischeren Welt und der Realität ihrer Zerstörung.

Sonntag, 06.12. (2. Advent) / 17:35 Uhr / The World of Hans Zimmer
Musik, Deutschland, 2024, ZDF 59 Min.
Regie: Matthias Greving
Dirigent: Gavin Greenaway
Orchester: Odessa Orchestra & Friends
Chor: Nairobi Chamber Chorus
Komponist und Autor: Hans Zimmer
Mit: Rusanda Panfili (Violine), Eliane Correa (Klavier), Pedro Eustache (Flöte)
Online verfügbar von 06/12/2026 bis 06/03/2027

Hans Zimmer ist einer der populärsten Filmmusikkomponisten. Seine Welttourneen sind beliebt und ziehen Tausende von Fans in Konzerte, die nicht nur musikalisch, sondern auch optisch beeindrucken. Im Konzert in Krakau ist Hans Zimmer in einer faszinierenden Show zu erleben: Als Musiker steht er auf der Bühne und spielt zusammen mit Orchester, Chor und einzigartigen Solisten.

Mit seiner musikalischen Vielfalt hat Hans Zimmer Musik für zahlreiche Hollywood-Filmgenres komponiert. Das Konzert in Krakau umfasst seine berühmtesten Filmmusiken: von „Gladiator“, „Interstellar“, „Fluch der Karibik“ und „Dune: Part Two“ bis zu „Der König der Löwen“. Für die Show „The World of Hans Zimmer“ hat Zimmer seine beliebtesten Filmkompositionen für ein großes Orchester, einen Chor und Solisten neu arrangiert. Umgesetzt wird sie vom Odessa Orchestra & Friends, dem Chor Nairobi Chamber Chorus sowie der Sängerin Lisa Gerrard, der Geigerin Rusanda Panfili, der Pianistin Eliane Correa, dem Flötisten Pedro Eustache und weiteren Solostimmen. Die musikalische Leitung der Show übernimmt der britische Dirigent Gavin Greenaway. Seit Jahren ist er mit Zimmer freundschaftlich verbunden und setzt dessen Kompositionen in Konzerten sehr emotional um.

Zimmer hat mehrere bedeutende Auszeichnungen erhalten, darunter zwei Oscars, mehrere Grammys und Golden Globes. Für die Musik zu „Der König der Löwen“ hatte er 1995 seinen ersten Oscar erhalten. „Dune“ brachte ihm 2022 seinen zweiten Oscar ein.

Mit seiner Kombination verschiedener Klangwelten schafft der Komponist es, Menschen generationsübergreifend anzusprechen und an seine Musikwelt zu fesseln. Durch seine Mischung aus kraftvollen, orchestralen, aber auch sehr innovativen und technischen Klangelementen erreicht Zimmer ein breites Publikum: Sowohl Fans klassischer Musik als auch Menschen, die eher an experimentellem Klang oder an Popmusik interessiert sind.
Aufgezeichnet am 12. Mai 2024 in der Tauron Arena in Krakau, Polen.

Sonntag, 06.12. (2. Advent) / 23:50 Uhr / The Offspring ~ Hellfest 2024
Musik, Frankreich, 2024, ARTE F 63 Min.
Regie: Samuel Petit
Online verfügbar von 06/12/2026 bis 05/01/2027

Ohne sie hätte es die kalifornische Punk-Rock-Welle der 1990er Jahre wahrscheinlich gar nicht gegeben: Das „Hellfest“ begrüßt The Offspring, die mit dichten E-Gitarrenwänden und beißender Kritik an der passiven amerikanischen Gesellschaft eine Höllenshow hinlegen. 

Neben Nofx, Green Day und Rancid – den Direktnachkommen des gesellschaftskritischen Grunge von Nirvana – gehören The Offspring zur Crème de la Crème des kalifornischen Punk-Rock. Die 1984 von Dexter Holland gegründete Band landete ihren Durchbruch zehn Jahre später mit dem Album „Smash“, das für viele den Grundstein für die Punk-Bewegung legte.

Das zunächst auch als Skate Punk bezeichnete neue Genre eroberte den Äther und wurde zur Lieblingsmusik der Jugendlichen in den 1990er und 2000er Jahren. Eine ganze Generation begeisterte sich für die fetten Riffs und giftigen Texte dieser Strömung – und für ihre markanten Codes: Walkman auf den Ohren, zerrissene Jeans, Metallketten, gegelte Haare.

Auf einer der Hauptbühnen des Hellfest (2024) interpretieren die inzwischen fast 60-jährigen Bandmitglieder von The Offspring ihre größten Hits, darunter natürlich „Come Out and Play“, „Why Don’t You Get a Job?“ und „The Kids Aren’t Alright“ aus dem Album „Americana“ (1998). Letzteres zeichnet in 13 Titeln auch ein bissiges Porträt der amerikanischen Gesellschaft.
Aufzeichnung vom 30. Juni 2024 beim Hellfest Open Air Festival, Clisson.

Sonntag, 06.12. (2. Advent) / 01:35 Uhr / Sigourney Weaver – Actionheldin und Stil-Ikone
Dokumentation, Deutschland, USA, 2024, RB 53 Min.
Regie: Bärbel Merseburger-Sill
Online verfügbar von 05/06/2024 bis 30/09/2027

Sie bot dem Alien die Stirn: Sigourney Weaver hat gezeigt, dass sich Frauen durchaus kraftvoll zur Wehr setzen können. So wurde sie zur Mutter der modernen Actionheldinnen im Kino – und zur Stil-Ikone. Wie ist ihr das gelungen?

Für die ARTE-Dokumentation „Sigourney Weaver – Actionheldin und Stil-Ikone“ hat sich die deutsch-französische Regisseurin Bärbel Merseburger-Sill mit Sigourney Weaver zu einem Exklusivinterview in New York getroffen. Schon mit ihrer ersten Hauptrolle hat Sigourney Weaver Filmgeschichte geschrieben. In dem Kultstreifen „Alien: Das unheimliche Wesen aus einer fremden Welt“ spielt die damals 29-Jährige eine Offizierin, die an Bord eines Raumschiffs zur knallharten Kämpferin mutiert. Damit zertrümmert sie die damaligen Rollenklischees, die Frauen nur als kreischende, hilflose Opfer oder männerschmückendes Beiwerk zeigen.

Ihre Figur der Ellen Ripley ebnet vielen Nachfolgerinnen den Weg zum Kino-Ruhm, von Lara Croft bis Lucy. Für ihre Fans aber ist Weaver bis heute die unangefochtene Sci-Fi-Queen geblieben. Auf diese eine Rolle festlegen ließ sie sich dennoch nicht.

In über 40 Jahren Filmkarriere hat sich Sigourney Weaver als ebenso vielseitig wie unangepasst entpuppt: in Blockbustern wie „Ghostbusters“ oder „Avatar“, ernsten Filmen wie „Gorillas im Nebel“, Komödien wie „Galaxy Quest: Planlos durchs Weltall“ oder TV-Serien-Auftritten wie in „Call My Agent“. Ihr Mut zum eigenen Weg machte die Schauspielerin zum Vorbild. „Wir brauchen Filme, die uns inspirieren und uns helfen, weiterzumachen“, sagt sie.

Sonntag, 06.12. (2. Advent) / 02:30 Uhr / Uma Thurman – Die stille Kämpferin Hollywoods
Dokumentation, Deutschland, 2024, ZDF 51 Min.
Regie: Lukas Hoffmann
Online verfügbar von 15/11/2026 bis 14/01/2027
Wiederholung vom 16.11.2026

Sonntag, 06.12. (2. Advent) / 03:25 Uhr / Cérémonie: Suffocation
Musik, Frankreich, 2024, ARTE F 69 Min.
Regie: Thibaut Charlut
Mit: Suffocation
Online verfügbar von 29/11/2026 bis 05/01/2027

Der Death Metal von Suffocation reißt das Publikum voll mit. Die New Yorker Band tritt mit dem französischen Rapper Seth Gueko in der Gaîté Lyrique auf. Gemeinsam verwandeln sie das Pariser Venue mit der Show „Cérémonie“ in eine Kathedrale des Metal. Eine selten eindringliche Performance, die das Album „Hymns from the Apocrypha“ gebührend in Szene setzt.

ʺCérémonieʺ ist eine Messe der Extrem-Musik. Während der ungestümen Power-Performance verwandeln Rapper Seth Gueko und die Band Suffocation die Pariser Gaîté Lyrique in eine Kathedrale des Metal. Der faszinierende, von Tattoos übersäte französische Rapper definiert das Amt des Masters of Ceremonies dabei völlig neu. 

Suffocation, Apostel eines besonders heftigen Brutal Death Metal, sind ein echtes Aushängeschild der New Yorker Szene. Ihre Karriere begann 1991 mit dem Debütalbum ʺEffigy of the Forgottenʺ, das mittlerweile als Musterbeispiel für ein perfektes Death-Metal-Album gilt. 

Aktuell bestehen Suffocation aus Terrance Hobbs (Gitarre), Derek Boyer (Bass), Charles Errigo (Rhythmusgitarre) und Ricky Myers (Vocals). Der Schlagzeuger Eric Morotti verließ die Band 2026.

Zur Feier ihres 35-jährigen Bestehens hatte die Band die Idee, ein neues Album zu veröffentlichen: „Hymns from the Apocrypha“. Dieses neunte Werk, das von Fans und Kritikern gleichermaßen gelobt wird, zementiert den Ruf der US-amerikanischen Formation als Schwergewicht des Brutal Death Metal.
Aufzeichnung vom 10. Juni 2024 in der Gaîté Lyrique, Paris.

Dienstag, 08.12. / 08:30 Uhr / Leonardo da Vinci (1/2) ~ Schüler der Erfahrung
Dokumentation, USA, 2024, ZDF 87 Min.
Regie: Ken Burns, Sarah Burns, David McMahon
Online verfügbar von 27/11/2026 bis 26/02/2027
Wiederholung vom 28.11.2026

Dienstag, 08.12. / 09:55 Uhr / Leonardo da Vinci (2/2): Suche nach dem Schönen
Dokumentation, USA, 2024, ZDF 85 Min.
Regie: Sarah Burns, David McMahon, Ken Burns
Online verfügbar von 27/11/2026 bis 26/02/2027
Wiederholung vom 28.11.2026

Dienstag, 08.12. / 02:40 Uhr / Virginia Woolf ~ Ein Zimmer für sich allein, eine Stimme für alle
Dokumentation, Frankreich, 2026, ARTE F 59 Min.
Regie: Lise Baron
Online verfügbar von 18/11/2026 bis 23/06/2027
Wiederholung vom 25.11.2026

Donnerstag, 10.12. / 00:00 Uhr / Jean-Paul Goude ~ Im Rausch der Bilder
Dokumentation, Frankreich, 2025, ARTE F 52 Min.
Regie: Vassili Silovic
Online verfügbar von 03/12/2026 bis 10/03/2027
Erstausstrahlung

Jean-Paul Goude verbindet als Designer, Fotograf und Regisseur Kunst und Werbung. Seit den 1960er Jahren beschäftigt er sich mit schwarzer, arabischer und lateinamerikanischer Kultur. 1989 inszenierte er eine Parade zum 200. Jahrestag der Französischen Revolution. Der Film fragt, ob seine Bildsprache multikulturell oder stereotyp ist – und lässt Goude selbst zu Wort kommen.

Jean-Paul Goude verwischt die Grenzen zwischen Kunst und Werbung: Er zeichnet, fotografiert, filmt und designt. Lange vor Bildbearbeitungssoftware und Instagram veränderte er die Körper seiner Modelle. Seine Werbespots für Orangina, Perrier, Kodak und Citroën sind unverwechselbar.

Seit den 1960er Jahren setzt er sich bildgewaltig mit schwarzer, arabischer und lateinamerikanischer Kultur auseinander. Als künstlerischer Leiter des Magazins „Esquire“ schuf er in den 1970er Jahren Illustrationen schwarzen Selbstbewusstseins. Seine Inszenierungen machten seine Partnerin Grace Jones zur Stilikone; Farida Khelfa gab Anfang der 1980er Jahre dem „Beur-Stil“ der zweiten maghrebinischen Einwanderergeneration ein Gesicht.

1989 beauftragte ihn François Mitterrand mit einer Parade zum 200. Jahrestag der Französischen Revolution. Das multikulturelle Spektakel auf den Champs-Élysées sahen eine Million Menschen vor Ort und 100 Millionen im Fernsehen. Später ließen sich Stars wie Rihanna und Kim Kardashian von Goude porträtieren.

Doch sein Werk polarisiert: Kritiker werfen ihm vor, nicht-weiße Körper zu erotisieren, Kulturen zu vereinnahmen und rassistische Klischees zu bedienen. Der Film beleuchtet diese Vorwürfe anhand von Interviews und Archivaufnahmen. Goude stellt sich der Kritik, verteidigt seine Kunst und erläutert die Absicht hinter einem aktuellen Werk.

Freitag, 11.12. / 22:00 Uhr / Jean Michel Jarre: Die Elektro-Legende
Dokumentation, Frankreich, 2025, ARTE F 52 Min.
Regie: Tancrède Bonora
Online verfügbar von 04/12/2026 bis 11/03/2027
Erstausstrahlung

Jean-Michel Jarres einzigartige Laufbahn begann mit einem Senkrechtstart, und zwar ganz genau am 5. Dezember 1976, als sein Debütalbum herauskam: „Oxygène“ war nicht nur eine musikalische Revolution, sondern Gründungsmoment und Herzstück eines Gesamtwerks, in dem sich Vergangenheit und Zukunft vermischen und dieser künstlerische Urknall weiter nachhallt.

Nur wenige „Instrumentalmusiker“ haben die Musikbranche so stark geprägt wie Jean-Michel Jarre. Die dokumentarische Reise durch Raum und Zeit erkundet Werk und Leben des Klangzauberers.

Am 5. Dezember 1976 erschien „Oxygène“, ein Album, das Jarre fast im Alleingang im improvisierten Pariser Homestudio produziert hatte. Die Platte löste eine Welle aus, die die Musikindustrie und die elektronische Musik für immer verändern sollte. Das Album verkaufte sich über 80 Millionen Mal.

Die Dokumentation wechselt zwischen Vergangenheit, Gegenwart und Zukunft. Sie spinnt einen Faden aus Geschichten und Anekdoten, beleuchtet persönliche Kämpfe und künstlerisch-technologische Innovationen. Aber vor allem ergründet sie Jarres großes Erstlingswerk.

Woher rührt das Bestreben, etwas radikal Neues zu schaffen? Wie wird man Künstler, wenn man im Schatten eines großen Filmkomponisten und abwesenden Vaters namens Maurice Jarre aufwächst?

Archivmaterial, persönliche Erzählungen und Zeugnisse von Wegbegleitern dokumentieren die Entwicklung des Künstlers. Zu Wort kommen etwa Michel Geiss, Michel Granger, Jacques Rouveyrollis, Hans Zimmer und Irène Drésel. Vielstimmig betrachten sie die Facetten eines Werkes, in dem Musik, Bild, Technologie und Raum unaufhörlich miteinander in Dialog treten.

Der 78-Jährige arbeitet aktuell an einem neuen Album, das sich auf die Anfänge besinnt. Mit einer KI-Interpretation seines Erstlings „Oxygène“ leitet Jarre eine weitere Revolution ein, die Mensch, Maschine und Schaffensakt in einer völlig neuen Dimension verbindet.

Freitag, 11.12. / 22:55 Uhr / Jean-Michel Jarre ~ Live in Sevilla
Musik, Frankreich, 2025, ARTE F 92 Min.
Regie: David Montagne
Online verfügbar von 04/12/2026 bis 10/01/2027
Erstausstrahlung

Anlässlich des 50-jährigen Bestehens seines Albums „Oxygène“ begab sich Jean-Michel Jarre im Sommer 2025 auf Europatournee. Eines der Highlights dieser XXL-Tour war das Konzert auf der Plaza de España in Sevilla.

In der Vergangenheit begeisterte der Franzose das Publikum mit monumentalen Konzerten in der Verbotenen Stadt, bei den Pyramiden von Gizeh oder in einer virtuellen Notre-Dame de Paris. Hier ist Jean-Michel Jarre vor grandioser andalusischer Kulisse auf der Plaza de España in Sevilla zu erleben.

Anlässlich dieses Konzerts im Rahmen des Festival Icónica Santalucía präsentiert der französische Pionier der elektronischen Musik seine sinnlich-synthetischen Klang- und Bilderwelten zu jeder Menge Laserlicht und Bühnennebel. Eine immersive Show an der Schnittstelle zwischen Kunst und Technologie vor außergewöhnlicher Kulisse.

Diese Reise in das ikonische Universum von Jean-Michel Jarre muss man gesehen haben!
Aufzeichnung vom 8. Juli 2025 in Sevilla, Spanien.

Freitag, 11.12. / 00:30 Uhr / Klaus Nomi ~ Sänger der dritten Art
Dokumentation, Frankreich, 2025, ARTE F 52 Min.
Regie: Thomas Boujut
Online verfügbar von 06/11/2026 bis 10/08/2027
Wiederholung vom 13.11.2026

Freitag, 11.12. / 01:25 Uhr / Marcos Morau: Afanador
Spanisches Nationalballett
Ballett, Frankreich, 2024, ARTE F 102 Min.
Regie: Isabelle Julien
Choreographie: Marcos Morau, La Veronal, Lorena Nogal, Shay Partush, Jon López
Inszenierung: Rubén Olmo
Bühnenbild / Ausstattung / Bauten: Max Glaenzel
Musik: Cristóbal Saavedra
Licht: Bernat Jansà
Online verfügbar von 04/12/2026 bis 10/01/2027

Der Choreograph Marcos Morau und das Ballet Nacional de España ließen sich für „Afanador“ vom Werk des kolumbianischen Modefotografen Ruvén Afanador inspirieren. Klassische Tanzelemente, Flamenco-Einflüsse und Fotografie verbinden sich zu einer atemberaubenden Performance. Schwarze Kostüme in Kontrast zu einem weißen Bühnenbild erzeugen im Licht eine surreal anmutende Ästhetik.

Das Werk des kolumbianischen Fotografen Ruvén Afanador inspirierte den Choreographen Marcos Morau und das Ballet Nacional de España. „Afanador“ ist eine getanzte Hommage an das künstlerische Gesamtwerk des 1959 geborenen Modefotografen, der vor allem durch seine legendären Aufnahmen von Persönlichkeiten aus Mode, Musik und Film bekannt wurde. Seine Porträts zierten die Titelseiten von „Vogue“, „Rolling Stone“, „Vanity Fair“ und der „New York Times“.

Afanador begeistert sich für Körper in Bewegung. Seine besondere Leidenschaft, den Flamenco, hat er zum zentralen Thema zweier Fotoserien gemacht: „Mil Besos: One Thousand Kisses“ (2009) und „Ruvén Afanador: Angel Gitano; The Men of Flamenco“ (2014).

„Afanador“ verbindet in einer Choreographie von Marcos Morau und einer Inszenierung von Rubén Olmo konsequent Fotografie mit Elementen des klassischen Tanzes und Einflüssen des Flamencos. Das Ballet Nacional de España zeigt in einer meisterhaften Darbietung eine spektakuläre Performance, die in ihrer radikalen Schwarz-Weiß-Ästhetik im Bühnenbild von Max Glaenzel fast surreal anmutet (Lichtdesign: Bernat Jansà, audiovisuelles Design: Marc Salicrú).
Eine Aufzeichnung vom Februar 2024 aus dem Teatro Real de Madrid, Spanien

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Programmwoche 51:

Samstag, 12.12. / 14:20 Uhr / Leonardo da Vinci (1/2): Schüler der Erfahrung
Dokumentation, USA, 2024, ZDF        87 Min.
Regie: Ken Burns, Sarah Burns, David McMahon
Online verfügbar von 27/11/2026 bis 26/02/2027
Wiederholung vom 28.11.2026

Samstag, 12.12. / 15:50 Uhr / Leonardo da Vinci (2/2): Suche nach dem Schönen
Dokumentation, USA, 2024, ZDF        85 Min.
Regie: Sarah Burns, David McMahon, Ken Burns
Online verfügbar von 27/11/2026 bis 26/02/2027
Wiederholung vom 28.11.2026

Samstag, 12.12. / 22:45 Uhr / Giuseppe Verdi: Otello (Mailänder Scala 2026)
Oper, Italien, Frankreich, 2026, ARTERAI        150 Min.
Regie: Damiano Michieletto
Inszenierung: Paolo Fantin
Orchester: Orchestra del Teatro alla Scala
Chor: Coro del Teatro alla Scala
Libretto: Arrigo Boito
Kostüme: Alessandro Carletti, Carla Teti
Licht: Alessandro Carletti
Komponist und Autor: Myung-Whun Chung

Mit: Eleonora Buratto (Desdemona (Sopranistin)), Luca Salsi (Iago  (Bariton)), Brian Jagde (Otello (Tenor)), Juan Francisco Gatell (Casio (Tenor)), Cristiano Olivieri ( Roderigo (Tenor)), Huanhong Li (Lodovico (Bassbariton)), Nicolò Ceriani (Montano (Bariton)), Szilvia Vörös (Emilia (Mezzosopranistin))

Erstausstrahlung

Der neue Musikdirektor der Mailänder Scala, Myung-Whun Chung, eröffnet am 7. Dezember 2026 die Saison mit „Otello“, einem der Meisterwerke von Giuseppe Verdi. Die Oper nach Shakespeares Tragödie wurde 1887 an der Scala uraufgeführt; das Libretto stammt von Arrigo Boito.

Die Neuinszenierung von Damiano Michieletto wartet mit einer hochkarätigen Besetzung auf: In der Titelrolle ist der amerikanische Tenor Brian Jagde zu erleben, der bereits auf der Mailänder Bühne glänzte – ebenso wie der italienische Bariton Luca Salsi, der den Jago verkörpert, sowie die Sopranistin Eleonora Buratto als Desdemona.

Samstag, 12.12. / 01:20 Uhr / Das Phantom der Oper
Schwerpunkt: Grenzenlos gruselig: Halloween bei ARTE
Stummfilm, USA, 1925, ARD        91 Min.
Regie: Rupert Julian
Drehbuch: Raymond Schrock, Elliott J. Clawson
Autor:in: Gaston Leroux
Produktion: Universal Pictures
Produzent: Carl Laemmle
Kamera: Virgil Miller, Milton Bridenbecker, Charles Van Enger
Schnitt: Maurice Pivar
Musik: Gabriel Thibaudeau

Mit: Lon Chaney (Erik/Phantom), Mary Philbin (Christine Daaé), Norman Kerry (Raoul de Chagny), Gibson Gowland (Simon)
Online verfügbar von 15/06/2026 bis 31/01/2027

Die prachtvolle Pariser Opéra Garnier birgt ein dunkles Geheimnis. Tief unter ihren prunkvollen Sälen, in einem Labyrinth aus Gängen und Gewölben, lebt ein entstelltes Wesen, das sich als „Phantom“ einen Namen gemacht hat. Niemand hat es je gesehen, doch seine Präsenz ist allgegenwärtig, sei es durch rätselhafte Botschaften, verschwundene Gegenstände oder die plötzliche Karriere der jungen Sängerin Christine Daaé. Sie verdankt ihm ihren Aufstieg, doch der Preis ist hoch: Das Phantom verlangt ihre Liebe und Treue. Christine, hin- und hergerissen zwischen Furcht und Faszination, folgt dem Phantom in seine unterirdische Welt …

Vorlage des Films ist der 1910 erschienene französische Roman „Le Fantome de l’Opéra“ von Gaston Leroux. Leroux ließ sich von der Pariser Opéra Garnier inspirieren. Die Pariser Oper zählt 17 Stockwerke, ein Drittel davon unterirdisch. In der Zeit der Pariser Commune diente der Rohbau mit seinen Kellern der Unterbringung von Waffen und Gefangenen. 1896 fiel ein Teil des sieben Tonnen schweren Kronleuchters in den Zuschauerraum. Die Entwürfe des Filmarchitekten Ben Carré gehen auf originale Bauzeichnungen für die Pariser Oper zurück, wo Carré als Bühnenbildner gearbeitet hatte. Er schafft es, für den Film ein düsteres Labyrinth von Treppen, Gängen und Nischen zu schaffen, in denen sich das Grauen glaubhaft einnistet.

Sonntag, 13.12. (3. Advent) / 05:25 Uhr / Das Wallraf-Richartz-Museum ~ Erzählt von seinem Aufsichtspersonal
Dokumentationsreihe, Deutschland, 2023, ZDF        26 Min.
Regie: Corinna Belz
Online verfügbar von 29/11/2026 bis 31/01/2027

Das Wallraf-Richartz-Museum in Köln ist bekannt für seine große Sammlung mittelalterlicher Kunst. Herzstück des Museums ist eines der berühmtesten Bilder des Mittelalters, „Die Muttergottes in der Rosenlaube“. Aber auch Meisterwerke von Peter Paul Rubens und des Impressionismus finden sich hier. Grundlage der Sammlung wurde das, was Namenspatron Ferdinand Franz Wallraf auf den Kölner Straßen fand: Denn die Kirchen wurden während der napoleonischen Besetzung für militärische Zwecke umfunktioniert – und die Kunstwerke oft einfach auf die Straße gestellt.
 
Vorgestellt wird das Museum von den Aufsehern und Aufseherinnen des Hauses. Sie haben einen sehr genauen Blick auf die Werke, schließlich verbringt niemand so viel Zeit mit ihnen wie sie. Und sie überraschen durch ihren sehr persönlichen Blick auf die Werke von Stefan Lochner („Die Muttergottes in der Rosenlaube“), Peter Paul Rubens und Lovis Corinth. Und sie können auch einiges über die Besucher und Besucherinnen des Museums erzählen.

Sonntag, 13.12. (3. Advent) / 05:55 Uhr / Das Centre Pompidou ~ Erzählt von seinem Aufsichtspersonal
Dokumentationsreihe, Deutschland, 2023, ZDF        26 Min.
Regie: Tuan Lam
Online verfügbar von 29/11/2026 bis 31/01/2027

Reine Fassade? Weit gefehlt. Mit seiner unkonventionellen Architektur und der größten Sammlung moderner und zeitgenössischer Kunst in Europa beeindruckt das Centre Pompidou von außen und innen. Drei Aufsichtspersonen führen zu ihren Lieblingswerken und hinter die Kulissen eines Museums, das die Definition von Kunst und Kunstwerk immer wieder hinterfragt.

Seit 1977 ist das Centre Pompidou das lebendige Herz des Pariser Viertels Le Marais. Gebaut auf Initiative des ehemaligen Präsidenten Georges Pompidou, will es ein lebendiges Museum für zeitgenössische Kunst sein. Werke von Marcel Duchamp und Piet Mondrian bis hin zu Robert Delaunay und Yves Klein sind nur einige der vielen Schätze des Ausstellungshauses.

Drei der vielen Aufseherinnen und Aufseher gewähren Einblicke in ihre Lieblingswerke und hinter die Kulissen eines Museums, das Kunst und Kunstwerk immer wieder neu definiert. Sie zeigen das „Portrait-relief d’Arman“ von Yves Klein, das „Fahrrad-Rad“ von Marcel Duchamp und „Le magasin de Ben“ von Benjamin Vautier, ein echtes Geschäft, das der Künstler mit Objekten und Versen bemalt und im Centre Pompidou wieder aufgebaut hat.

Die Kunstaufpasser sind hier Kunstvermittler – und haben ihre ganz persönliche Perspektive auf die Werke, vor denen sie Tag für Tag stehen.

Sonntag, 13.12. (3. Advent) / 07:15 Uhr / Virginia Woolf ~ Ein Zimmer für sich allein, eine Stimme für alle
Dokumentation, Frankreich, 2026, ARTE F        59 Min.
Regie: Lise Baron
Online verfügbar von 18/11/2026 bis 23/06/2027
Wiederholung vom 25.11.2026

Sonntag, 13.12. (3. Advent) / 08:15 Uhr / Mr. und Mrs. Hitchcock
Dokumentation, Frankreich, 2018, ARTE F        54 Min.
Regie: Laurent Herbiet
Online verfügbar von 25/10/2026 bis 24/04/2027
Wiederholung vom 01.11.2026

Sonntag, 13.12. (3. Advent) / 09:15 Uhr / Paris. So schön war das!
Dokumentation, Deutschland, 2018, NDR        26 Min.
Regie: Bernd Boehm
Online verfügbar von 13/12/2026 bis 13/03/2027

Die Dokumentation nimmt das Publikum mit auf eine Zeitreise über die Entstehung eines neuen fotografischen Genres und die Entwicklung der Konsumkultur im 19. Jahrhundert. Sie taucht dabei ein in Arbeitswelt, Ethos und Kultur der Ladenbesitzer und ihrer Mitarbeiter, die sich ernst und voller Selbstbewusstsein vor ihren Geschäften fotografieren ließen.

Zwar sollten die historischen Aufnahmen als Werbeträger für die Läden und ihre Produkte fungieren, doch die Faszination dieser Fotografien entsteht vorwiegend durch die Menschen. Sie verleihen ihnen Ausdruck und rücken die Schaufenster, die mit ihren Geschäftsauslagen an eine Warenbühne erinnern, in den Hintergrund. Sie verkörpern den optimistischen Zeitgeist der Belle Epoque und erzählen von dem harten, entbehrungsreichen Alltag, von der Würde der Arbeit und der Rechtschaffenheit ihres Standes.

Die Fotokarten erlauben eine intime Sichtweise, die bislang eher aus der Interpretation Intellektueller jener Zeit, Malern und Schriftstellern, bekannt war. Die Sammlung versteht sich als eine Chronik einer vergessenen Zeit und liefert ein soziologisch interessantes und authentisches Gesellschaftsporträt, das von Fotohistorikern und Kuratoren diskutiert und in den soziokulturellen Kontext eingeordnet wird.

Sonntag, 13.12. (3. Advent) / 16:50 Uhr / Ich Elisabetta Sirani ~ Italienische Malerin des Barock
Dokumentation, Frankreich, 2026, ARTE F        54 Min.
Regie: Christiane Ratiney, Yvan Gaillard
Online verfügbar von 06/12/2026 bis 12/01/2027
Erstausstrahlung

Im Bologna des 17. Jahrhunderts setzt sich die 19-jährige Elisabetta Sirani in der männlich geprägten Welt der Barockkunst durch. Sie ist bereits zu Lebzeiten ein Star und gründet eine der ersten Kunstschulen für Frauen. Mit 27 Jahren stirbt sie und hinterlässt ein Vermächtnis, das die Dokumentation anhand ihrer Werke und Erzählungen aus der Ich-Perspektive wieder zum Leben erweckt.

Bologna, 17. Jahrhundert: Die große Malerei ist Männersache. Doch die erst 19-jährige Elisabetta Sirani behauptet sich mit ihrem Werk „Taufe Christi“ in der angesehensten Gattung der damaligen Zeit, den Historienbildern. Sehr schnell etabliert sie sich mit ihrem Talent, ihrem schnellen Arbeiten und ihrem gewagten Stil bei den wichtigen Familien in Bologna, den Medicis und den europäischen Höfen als begehrte Künstlerin. Elisabetta Sirani stirbt mit nur 27 Jahren, hinterlässt jedoch ein immenses Werk und prägte die Kunstwelt nachhaltig.

Im familiengeführten Atelier, zu dessen Erfolg sie beiträgt, zeichnet sie und unterrichtet andere Frauen. Sie gibt ihnen in einer Gesellschaft, in der sie rechtlich und sozial eingeschränkt sind, eine seltene Möglichkeit. Dank ihr wird Bologna zu einer der Städte mit den meisten Künstlerinnen. Der Film ist eine lebendige Erzählung, bei der Elisabetta in Ich-Form selbst von ihrem Aufstieg, ihren Schwierigkeiten und ihrer Beziehung zur Malerei berichtet. Anhand animierter 3D-Szenen und Aquarelle beleuchtet die Dokumentation Bologna zur Barockzeit: seine Ateliers, seine Mäzene, seine Rivalitäten. „Ich Elisabetta Sirani, italienische Malerin des Barock“ rückt die Künstlerin ins Rampenlicht, die zu ihrer Zeit ein Star war und lange Zeit vergessen schien.

Die Dokumentation erzählt ihre Geschichte und erlaubt ein Eintauchen in die Welt von damals. Die Werke der Malerin wirken heute aktueller denn je. Ihr Manifest-Gemälde „Timokleia von Theben“, auf dem die Heldin ihr Schicksal selbst in die Hand nimmt, ging in den sozialen Medien viral.

Sonntag, 13.12. (3. Advent) / 17:45 Uhr / Beethoven reloaded ~ Das Tripelkonzert arrangiert für Akkordeon, Klavier und Mandoline
Musik, Deutschland, 2026, WDR        43 Min.
Regie: Carsten Günther, David Unger
Komponist: Ludwig van Beethoven
Dirigent: Omer Meir Wellber
Orchester: WDR Sinfonieorchester
Mit: Guy Mintus (Klavier), Jacob Reuven (Mandoline), Omer Meir Wellber (Akkordeon)
Online verfügbar von 13/12/2026 bis 13/03/2027
Erstausstrahlung

Ludwig van Beethovens „Tripelkonzert“ erklingt in einer Fassung für Akkordeon, Mandoline, Klavier und Orchester – mit viel Raum für Improvisationen, Jazz- und Weltmusikanklängen. Die Solisten sind Omer Meir Wellber, Jacob Reuven und Guy Mintus, begleitet vom WDR Sinfonieorchester. Die Konzertaufzeichnung wird um kurze und unterhaltsame Interviews mit den Solo-Stars ergänzt.

Heute wäre Ludwig van Beethoven ein Rockstar. Das meint Pianist Guy Mintus, der in seinen Konzerten zwischen Jazz, Folk und Klassik pendelt. Guy Mintus hat das „Tripelkonzert“ für Akkordeon, Mandoline und Klavier bearbeitet – für Dirigent Omer Meir Wellber am Akkordeon inmitten des Orchesters.

Omer Meir Wellber und Mandolinist Jacob Reuven sind beide in Beerscheva aufgewachsen und die Familien eng befreundet.

Dieses persönliche Verständnis schlägt sich für Wellber in einer großen Freiheit nieder: „Was ich an dieser Konstellation sehr interessant finde, ist die Beziehung zwischen der Struktur, dem Rhythmus und der Tradition Beethovens und der Freiheit des Jazz. Ich liebe es, wenn ich eine Struktur habe, die ich zerstören, anheizen oder küssen kann.“ Nach einem Klangfeuerwerk der Stile führt das Konzert wieder zu Beethovens Material zurück.

Für diese Neu-Interpretation des „Tripelkonzerts“ hat der ebenfalls in Israel geborene Guy Mintus Kadenzen komponiert. Neben der virtuosen Mandoline und dem auch als Perkussion-Instrument genutzten Akkordeon bekam auch er begeisterten Zwischenapplaus. Kritiker Uwe Bräutigam fasst zusammen: „Es war besonders Guy Mintus, der das Publikum atemlos machte – ein Tastenderwisch, der mit einem Temperament und einer Meisterschaft spielte, die atemberaubend war. Es war Beethovens Tripelkonzert, das zu hören war, aber es war eben weit mehr: ein Tripelkonzert 2.0.“

Programm:
– Ludwig van Beethoven – Konzert C-Dur für Klavier, Violine, Violoncello und Orchester op. 56 „Tripelkonzert“
(Bearbeitung für Mandoline, Klavier und Akkordeon von Guy Mintus)

Sonntag, 13.12. (3. Advent) / 20:15 Uhr / Der Name der Rose
(Il nome della rosa)
Spielfilm, Deutschland, 1986, ZDF        125 Min.
Regie: Jean-Jacques Annaud
Drehbuch: Andrew Birkin, Gérard Brach, Howard Franklin, Alain Godard
Autor:in: Umberto Eco
Produktion: Neue Constantin Film, Cristaldifilm, Les Films Ariane
Produzent: Bernd Eichinger, Bernd Schaefers
Kamera: Tonino Delli Colli
Schnitt: Jane Seitz
Musik: James Horner
Mit: Sean Connery (William von Baskerville), Christian Slater (Adson von Melk), Michael Lonsdale (Abt), Helmut Qualtinger (Remigio de Varagine), F. Murray Abraham (Bernardo Gui), Elya Baskin (Severinus), Feodor Chaliapin Jr. (Jorge de Burgos), Ron Perlman (Salvatore), Volker Prechtel (Malachia), William Hickey (Ubertino de Casale), Lucien Bodard (Kardinal Bertrand)
Online verfügbar von 13/12/2026 bis 20/12/2026

In einer abgelegenen Benediktiner-Abtei trägt sich Merkwürdiges zu: Mönche verschwinden und werden tot aufgefunden. Der Franziskaner William von Baskerville übernimmt gemeinsam mit seinem jungen Novizen Adson von Melk die Untersuchung der Angelegenheit. – Mit Ex-James-Bond Sean Connery

Sonntag, 13.12. (3. Advent) / 22:20 Uhr / Sean Connery vs James Bond
Dokumentation, Frankreich, 2021, ARTE F        54 Min.
Regie: Gregory Monro

James Bond machte Sean Connery zum Weltstar. Als Geheimagent mit Lizenz zum Töten gelang dem aus ärmlichen Verhältnissen stammenden Jungen aus Edinburgh von einem Tag auf den anderen der internationale Durchbruch. Doch Connery brauchte lange, um sich vom 007-Image zu lösen. In den 1980er und 1990er Jahren feierte der unbequeme Schotte große Filmerfolge und bekam einen Oscar.

Die Rolle seines Lebens war für Sir Sean Connery Segen und Fluch zugleich. Als Geheimagent James Bond gelangte er in den 1960er Jahren zu Weltruhm und wurde zum Sexsymbol. Ian Fleming erkor Sean Connery für die Titelrolle in „James Bond – 007 jagt Dr. No“ (1962) aus. Der ehemalige Bodybuilder Thomas Sean Connery, der am 25. August 1930 in Edinburgh als Sohn einer Putzfrau und eines Arbeiters geboren wurde, war dem elitären Fleming anfangs nicht mondän genug, doch dann änderte er seine Meinung.

Spätestens der dritte Film „Goldfinger“ (1964) löste eine weltweite Bond-Manie aus. Die Filme machten ihn reich. Doch nach seinem Abschied von der Rolle brauchte Connery viele Jahre, um sich auch jenseits von 007 als Schauspieler zu etablieren.

Erst Mitte der 1980er Jahre etablierte sich der Schauspieler wirklich in Hollywood. Er war der Schwertkämpfer Ramirez im Fantasyfilm „Highlander“ und begeisterte als Mönch im Mittelalterkrimi „Der Name der Rose“. Seine schauspielerische Leistung als hartnäckiger Polizist in „Die Unbestechlichen“ brachte ihm einen Oscar als bester Nebendarsteller ein. Seinen letzten Filmauftritt hatte der Schauspieler 2003 in dem Film „Die Liga der außergewöhnlichen Gentlemen“. Danach zog er sich aus der Öffentlichkeit zurück. Connery starb 2020 im Alter von 90 Jahren.

Für „Sean Connery vs James Bond“ interviewte Gregory Monro Schauspielerinnen und Regisseure, die mit Sean Connery drehten. Darunter Andy Garcia, John Boorman, Rob Brown, Connerys Biografen Michael Feeney Callan und Christopher Bray, seinen Vertrauten, den Schotten Murray Grigor und Lisa Funnell.

Sonntag, 13.12. (3. Advent) / 23:15 Uhr / Eine Klangreise mit Abel Selaocoe ~ Saiten des Lebens
Dokumentation, Deutschland, Großbritannien, Südafrika, 2026, WDR        52 Min.
Regie: Catharina Kleber
Online verfügbar von 13/12/2026 bis 13/03/2027
Erstausstrahlung

Der südafrikanische Cellist Abel Selaocoe verbindet klassisches Spiel, Gesang und afrikanische Klangtraditionen und begeistert damit weltweit. Die Dokumentation zeigt seine Reise zwischen Manchester und Südafrika: vom Improvisieren im englischen Arbeitszimmer bis zur Premiere seines ersten eigenen Cellokonzerts – das Porträt eines Künstlers, der Brücken zwischen Kulturen baut.

Der südafrikanische Cellist, Sänger und Komponist Abel Selaocoe verbindet klassische Musik mit afrikanischen Klangtraditionen, Improvisation und Rhythmus zu einer unverwechselbaren musikalischen Sprache. Seine Konzerte sind Erlebnisse, bei denen Publikum und Künstler gleichermaßen Teil der Musik werden. Die Dokumentation begleitet ihn auf einer ebenso persönlichen wie künstlerischen Reise zwischen seiner Wahlheimat Manchester, dem Rheingau Musik Festival und seinem Geburtsland Südafrika. Im Mittelpunkt steht die Rückkehr zu seinen Wurzeln: Er präsentiert sein erstes selbst komponiertes Cellokonzert erstmals an dem Ort, dem die Ideen dafür entsprungen sind. Begegnungen mit Familie, Weggefährtinnen und Weggefährten, Lehrerinnen und Lehrern sowie jungen Musikerinnen und Musikern erzählen von seinem außergewöhnlichen Lebensweg vom Township Sebokeng bis auf die bedeutendsten Konzertbühnen der Welt. Inmitten persönlicher Begegnungen, Proben und Konzerte entsteht ein intimes Porträt dieses Künstlers, der sich konsequent zwischen den Welten bewegt. Selaocoe hinterfragt Grenzen zwischen Kulturen, Genres und Traditionen und zeigt, dass Musik Menschen verbinden kann – unabhängig von Herkunft oder Sprache. Seine Suche nach Identität wird zur universellen Geschichte über Heimat, Gemeinschaft und die Kraft der Kreativität. Es ist ein bewegendes Porträt über Identität und Kreativität, über das Zuhören und den Austausch, über gelebte Gemeinschaft. Und über einen inspirierenden Ausnahmekünstler, der klassische Musik neu denkt, musikalische Räume öffnet und den Dialog zwischen Kulturen lebendig werden lässt.

Sonntag, 13.12. (3. Advent) / 00:10 Uhr / Abel Selaocoe
Rheingau Musik Festival 2025
Musik, Deutschland, 2025, ZDF        66 Min.
Regie: Andreas Morell
Komponist: Giovanni Sollima, David Fenessy, Caroline Shaw, Abel Selaocoe
Dirigent: Rakhi Singh
Orchester: Stuttgarter Kammerorchester
Mit: Rakhi Singh (Violine), Abel Selaocoe (Cello, Gesang), Sidiki Dembele (Percussion), Nikolaus
von Bülow (Violoncello)
Online verfügbar von 10/10/2026 bis 13/03/2027

Mit vibrierenden Klangfarben, afrikanischen Oberton-Gesängen, Bodypercussion und Entdeckerdrang bringt Abel Selaocoe eine komplett neue Art von Musikalität auf die Bühne. 2025 ist er Gast beim renommierten Rheingau Musik Festival. „African Roots“ überschrieb Abel Selaocoe sein Programm – unter anderem mit Stücken aus eigener Feder und einer Komposition von Giovanni Sollima.

Abel Selaocoe ist ein charismatischer Performer, der die Möglichkeiten des Cellos neu definiert. Dabei ist das Cello nicht unbedingt das Instrument, das man mit der südafrikanischen Heimat des Künstlers als Erstes in Verbindung bringt. Sein Ziel ist aber genau das: Möglichkeiten auszuloten, inwiefern sich die Kultur seines Saiteninstruments weiterentwickelt, während es verschiedene kulturelle Räume durchschreitet.
   
„Da, wo ich herkomme, steckt man nicht alles gleich in eine Schublade“, berichtet er von seiner frühen und wichtigen künstlerischen Prägung. Selaocoe hat sich mit großer Neugier auf die Reise in musikalische Zwischenwelten begeben. In seinen Konzerten wird die Stimme zum Instrument und der ganze Körper zum Kommunikationsmittel. Gemeinsam mit dem Stuttgarter Kammerorchester und dem Perkussionisten Sidiki Dembele lässt er in einem Open-Air-Konzert im Kloster Eberbach Werke mit unterschiedlichen musikalischen Wurzeln aufeinandertreffen.
   
Das Rheingau Musik Festival hat sich seit 1987 zu einem bedeutenden europäischen Festival entwickelt und zieht jedes Jahr Künstlerinnen und Künstler in die Region. Abel Selaocoes Open-Air-Konzert hebt sich durch das Zusammenspiel unterschiedlicher musikalischer Einflüsse ab: Der romanische Kreuzgang des Klosters trifft auf innovatives Cellospiel „out of the box“.
   
Aufzeichnung vom 19. Juli 2025 beim Rheingau Musik Festival im Kloster Eberbach.

Montag, 14.12. / 20:15 Uhr / Die verlorene Ehre der Katharina Blum
Spielfilm, Deutschland, 1975, ARD        102 Min.
Regie: Volker Schlöndorff, Margarethe von Trotta
Drehbuch: Volker Schlöndorff, Margarethe von Trotta
Autor:in: Heinrich Böll
Produktion: Bioskop Film, Paramount-Orion Filmproduktion, WDR
Produzent: Eberhard Junkersdorf, Willi Benninger
Kamera: Jost Vacano
Schnitt: Peter Przygodda
Musik: Hans Werner Henze

Mit: Angela Winkler (Katharina Blum), Mario Adorf (Kommissar Beizmenne), Dieter Laser (Werner Tötges), Jürgen Prochnow (Ludwig Götten), Heinz Bennent (Dr. Hubert Blorna), Hannelore Hoger (Trude Blorna)
Online verfügbar von 14/12/2026 bis 13/01/2027

Köln, im Februar 1975: Die junge und geschiedene Katharina Blum, Hausangestellte bei einem Anwalt, verliebt sich auf einem Karnevalsball in einen Fremden und nimmt ihn – ganz gegen ihre sonstige Gewohnheit – mit in ihre Wohnung. Sie ahnt nicht, dass sie die Nacht mit dem Bundeswehr-Deserteur Ludwig Götten verbringt, der als mutmaßlicher Terrorist von der Polizei observiert wird. Als am nächsten Morgen ein Sondereinsatzkommando in ihre Wohnung eindringt, ist Götten verschwunden. Für Katharina beginnt damit ein schlimmer Leidensweg. Sie wird zum wehrlosen Opfer von Polizei, Justiz und Sensationspresse …

Volker Schlöndorffs und Margarethe von Trottas Verfilmung von Heinrich Bölls Roman beschäftigt sich mit der Terrorismusdebatte der 1970er Jahre. Vehement werden die Vorgehensweisen und Manipulationen der Boulevardpresse im Dienste von politischen und wirtschaftlichen Interessen denunziert. Machtlos sehen sich Einzelne der aufgestachelten öffentlichen Meinung ausgeliefert. Jürgen Prochnow, unter anderem bekannt aus „Das Boot“ (1981), spielt die Rolle des Ludwig Götten. Angela Winkler erhielt für ihre überzeugende Darstellung der Titelfigur Katharina Blum ein Filmband in Gold, ein weiterer Bundesfilmpreis ging an Kameramann Jost Vacano.

Montag, 14.12. / 21:55 Uhr / Heinrich Böll: „Katharina Blum lebt!“ ~ Das Erbe einer Erzählung
Dokumentation, Deutschland, 2024, ZDF        52 Min.
Regie: Cordula Echterhoff
Online verfügbar von 14/12/2026 bis 14/03/2027

„Wie Gewalt entsteht und wohin sie führen kann“ – so lautet der Untertitel von Heinrich Bölls Erzählung „Die verlorene Ehre der Katharina Blum“. Darin wird die Hetzjagd auf eine Frau beschrieben. Heute scheint Bölls Text so aktuell wie nie, Frauenhass und öffentliche Diffamierung sind virulent und allgegenwärtig. Was macht das Werk so zeitlos – und woher kommt der Hass gegen Frauen?

1974 erschien Heinrich Bölls Erzählung „Die verlorene Ehre der Katharina Blum“. Es ist die Geschichte einer Frau, die ins Kreuzfeuer der Presse gerät, von der Öffentlichkeit diffamiert wird und am Ende den federführenden Journalisten erschießt. Die Erzählung landet auf Anhieb auf Platz eins der Bestsellerliste, wird 2,7 Millionen Mal verkauft und in 30 Sprachen übersetzt. Bis heute ist sie ein Symbol für die Hetze der Boulevardmedien, die eine Frau zur Mörderin gemacht haben.

Das Buch des Literaturnobelpreisträgers Heinrich Böll entstand kurz nach den Studentenunruhen, in den Gründungsjahren der RAF, als die Debatte um Terror und Sympathisanten die Medien beherrschte. Es wird hoch gelobt und ist heftig umstritten. Auch Böll wird vorgeworfen, mit seiner Erzählung Gewalt zu rechtfertigen. Andere sehen darin eine gelungene Abrechnung mit der Sensationspresse. Es ist eine Erzählung – so der 2013 verstorbene Literaturkritiker Marcel Reich-Ranicki in der „FAZ“ –, die „der deutschen Gegenwart mitten ins Herz“ zielt.

Was machte das Werk so brisant und warum ist es heute noch aktuell? Diesen Fragen geht die Dokumentation nach und legt den Fokus auf Frauen, die Hassattacken ausgesetzt sind. Was damals die Zeitung macht, geschieht heute im Internet.

Die Dokumentation interviewt Volker Schlöndorff und Margarethe von Trotta, die den Stoff 1975 verfilmt haben, spricht mit Günter Wallraff über die Praktiken der „Bild“-Zeitung, mit den Schriftstellerinnen Sharon Dodua Otoo, Anne Rabe und Oriane Jeancourt Galignani über das Buch und mit Katja Diehl und Rokhaya Diallo über den Hass im Internet.

Mittwoch, 16.12. / 21:50 Uhr / New Adult – Der Boom der Romance-Literatur
Dokumentation, Deutschland, 2025, ZDF        52 Min.
Regie: Hai-Hsin Lu
Online verfügbar von 20/09/2026 bis 19/03/2027
Erstausstrahlung

„Das ist mein liebstes ‚Dark Romance Enemies to Lovers‘-Buch“ – ein verwirrender Satz, mit lauter englischen Begriffen gespickt. Im New-Adult-Romance-Universum ist dies der Slang der Buchbesprechungen. Unter dem Hashtag #BookTok teilen Leserinnen ihre Lieblingsbücher und brechen vor laufender Kamera in Tränen aus – die pastellfarbene Bücherwand stets im Hintergrund.

Kein Einzelfall, sondern ein Breitenphänomen: Im Gegensatz zur restlichen Verlagsbranche wächst das Romance-, Fantasy- und Young Adult-Segment, auch wenn derzeit ein gewisses Plateau erreicht zu sein scheint. Auf Buchmessen füllt New Adult Romance ganze Hallen, in denen begeisterte Leserinnen stundenlang für ein Autogramm anstehen.

Von der Literaturkritik wird New Adult jedoch teilweise ignoriert. „Wer entscheidet, was gelesen werden kann oder nicht?“, fragt sich die New Adult-Bestsellerautorin Stella Tack. Sie hat großen kommerziellen Erfolg, aber kaum Anerkennung im Feuilleton und würde wohl nie einen Buchpreis gewinnen. Dieses Spannungsfeld zwischen „Schund“ und wertiger Literatur erkundet die Dokumentation, indem sie Autorinnen, Leserinnen und die Wissenschaft vor die Kamera holt.

Neben Stella Tack begleitet die Dokumentation die Bestseller-Autorinnen Bianca Iosivoni und Léa Perrin durch den Alltag, trifft die BookTokerin Vanessa von Bock und spricht mit Literaturkritikerin Julia Hubernagel, Psychologin Melinda Green, Sexualtherapeutin Ines Mahr und Kulturwissenschaftlerin Katie Dean. Und natürlich darf auch etwas „spice“ nicht fehlen – das sind die Stellen im Buch, die nicht ganz jugendfrei sind.

Mittwoch, 16.12. / 22:40 Uhr / Dreißig Jahre an der Peitsche
Spielfilm, Deutschland, 2024, WDR        90 Min.
Regie: Rosa von Praunheim
Drehbuch: Nico Woche, Rosa von Praunheim
Autor:in: Lady MacLaine
Produktion: Rosa von Praunheim Filmproduktion, WDR, SWR, BR, ARTE
Produzent: Rosa von Praunheim
Kamera: Lorenz Haarmann
Schnitt: Mike Shephard
Musik: Andreas M. Wolter

Mit: Lady MacLaine (selbst), Katja Inga Baldowski (Tina), León Schröder (Meinhard), Katrin Katz Köbbert (Ute), Hisham Alnamer (Mustafa)
Online verfügbar von 09/12/2026 bis 16/03/2027

Rosa von Praunheim, Wegbereiter des deutschen Queer-Films, adaptiert in diesem Dokudrama die Memoiren der Domina Tina. Sein vorletzter Film (2024) ist auch ein Zeitzeugnis der 80er und 90er Jahre in West-Berlin. Es ist das Porträt eines ungewöhnlichen und doch aufrichtigen Lebens. ARTE strahlt das Werk aus Anlass des ersten Todestages des avantgardistischen Regisseurs aus.

Die lebenslustige Tina ist Berlinerin und wird bald 65 Jahre alt. Fast ihr ganzes Leben hat sie in der Prostitution zugebracht, hauptsächlich als Domina in ihrem eigenen Studio. Tina erzählt ihre Geschichte vor verschiedenen Hintergründen, in diversen Lokalitäten und trifft Wegbegleiter und Freunde. Szenen aus ihrer Jugend und aus ihrem Erfahrungsschatz als Domina werden von Schauspielern und Schauspielerinnen dargestellt. In einigen Spielszenen kann die echte Tina eingreifen und das Geschehen mitgestalten, so wie Regisseur Rosa von Praunheim es auch in seinem Film über Charlotte von Mahlsdorf („Ich bin meine eigene Frau“, 1992) gemacht hat.

Das Dokudrama erzählt ohne künstlerisch untermalte Tragik den Weg einer emanzipierten Frau in der Berliner Szene, der von Spielsucht, konfliktreichen Begegnungen, aber vor allem Menschenliebe geprägt ist. In ihrer ehrlichen Selbsterzählung vermittelt Tina die gelernten Lektionen eines Lebens außerhalb der Norm und die Hintergründe einer Sexualität, die ihrer eigenen nie entsprach. Das Nachsinnen über Kontrolle, Gewalt und Verantwortung im Beruf der Sexarbeiterin, gelenkt von den Fragestellungen des Gehilfen Praunheim, liefert ein tiefgründiges menschliches Porträt.

Rosa von Praunheim (1942-2025) wurde mit seinem Film „Nicht der Homosexuelle ist pervers, sondern die Situation, in der er lebt“ 1971 zum Pionier des lesbisch-schwulen Filmschaffens in Deutschland. In seinem Werk hat er sich für die Darstellung sexueller Minderheiten und marginalisierter Gruppen eingesetzt. Mit Respekt und Humor schuf er die Grundlagen des queeren Kinos.

Donnerstag, 17.12. / 01:25 Uhr / Cesária Évora ~ Die barfüßige Diva
Dokumentation, Frankreich, 2025, ARTE F        53 Min.
Regie: Ana Sofia Fonseca
Online verfügbar von 10/12/2026 bis 16/01/2027
Erstausstrahlung

Im Alter von 51 Jahren gelang Cesária Évora 1992 mit ihrem Titel „Sodade“ der internationale Durchbruch. Bis dahin war die Ikone des Morna als Barsängerin auf den Kapverdischen Inseln aufgetreten. Die freiheitsliebende und großherzige Frau trug ihre Musik in die ganze Welt und blieb dabei immer ihrer Heimat treu.

„Cesaria Évora – Die barfüßige Diva“ zeichnet ein faszinierendes Porträt von Cesária Évora (1941–2011). Die Sängerin wurde auf den Kapverdischen Inseln zur Zeit der kolonialen Besatzung geboren und erklomm die Gipfel der Musikwelt. Für Évora war Freiheit stets das Wichtigste im Leben. Auch als sie der Armut entkommen war und internationale Berühmtheit erlangt hatte, blieb dieser Freiheitsdrang fest in ihr verankert.

Der Dokumentarfilm beleuchtet den politischen und gesellschaftlichen Kontext des Lebens der Künstlerin und streift dabei universelle Themen wie Freiheit, Rassendiskriminierung und Geschlechterungleichheit. Zahlreiche Archivaufnahmen – insbesondere aus privaten Quellen – sowie Originalaufzeichnungen ihrer Lieder illustrieren den Lebensweg der Sängerin.

Regisseurin Ana Sofia Fonseca zeigt, wie sich Cesária Évora zu einer überzeugten Feministin und einer Ikone des revolutionären Afrikas entwickelte. Durch die gewissenhafte Auswertung des teils unveröffentlichten Archivmaterials und zahlreiche Gespräche mit Évoras Freundinnen, Freunden und Familienangehörigen gelingt es der Filmemacherin, bisher unbekannte Facetten dieser beeindruckenden Persönlichkeit zu beleuchten. Nicht zuletzt fängt ihre Dokumentation die Poesie des Meeres und der Landschaften von Évoras geliebter Heimat ein.

Freitag, 18.12. / 23:20 Uhr / Im Schatten der Träume ~ Balz & Jary – Zarah Leanders Songwriter
Dokumentation, Deutschland, Schweiz, 2023, ZDF        55 Min.
Regie: Martin Witz
Online verfügbar von 17/12/2026 bis 17/01/2027
Erstausstrahlung

Der Komponist Michael Jary und der Texter Bruno Balz haben über fünf Jahrzehnte die Popkultur geprägt. Die Dokumentation erzählt, wie die beiden eines der erfolgreichsten Duos des deutschen Schlagers und Kinos wurden. Sie schrieben die Lieder für rund 250 Kinofilme. Nicht zuletzt verhalfen sie Zarah Leander zu ihrem weltweiten Ruhm als Sängerin und Schauspielerin.

„Im Schatten der Träume“ erzählt das bewegte Leben von zwei sehr unterschiedlichen Freunden, die hinter dem Phänomen von „Zarah Leander“ stehen: der Komponist Michael Jary und der Texter Bruno Balz, eines der produktivsten und erfolgreichsten Duos des deutschsprachigen Schlagers und Kinos.
 
Der Film verknüpft die beiden Biografien mit der Film- und Musikgeschichte ihrer Zeit. Eine Reise durch die Populärkultur von fünf dramatischen Jahrzehnten: Aufbruch in den wilden Zwanzigern, Swing zwischen Ufa-Kinoglamour und Gestapo-Haft, Neubeginn in den Fünfzigern und schließlich der Soundtrack der swingenden Sechziger.

Viele der Lieder von Jary und Balz sind zu Evergreens geworden. Die über 250 Kinofilme, zu denen sie die Musik beisteuerten, reichen von fulminanten Komödien der Weimarer Zeit über die Ufa-Filme in ihrer ambivalenten Grandezza, bis hin zu den Filmen der Zeit des „Wirtschaftswunders“.

Wie kam es, dass ausgerechnet zwei Außenseiter, ein verpönter Avantgardemusiker und ein homosexueller Texter, mit ihren Liedern den Nerv des Massenpublikums getroffen haben und zu den wichtigsten Stützen der Schlager- und Kinoproduktion während der Herrschaft der Nationalsozialisten und in der Nachkriegszeit wurden?

Viele der Hits von Jary und Balz werden bis heute von zahlreichen Chansonniers neu interpretiert, darunter auch der Bandleader und Musikhistoriker Götz Alsmann. Ebenso kenntnisreich wie hintergründig zeigt er, dass diese Musik über die Jahrzehnte nichts an Kraft eingebüßt hat. Im Gegenteil – sie ist verblüffend zeitlos.

Freitag, 18.12. / 01:10 Uhr / Geschwisterbande
Dokumentation, Deutschland, 2023, ZDF        52 Min.
Regie: Julia Krampe

Sie sind junge Musiker, Schauspielerinnen und Regisseure und Regisseurinnen – und sie sind Brüder, Schwestern, Zwillinge: ihre Kreativität verdanken sie zu einem großen Teil der Geschwisterkonstellation. Für die Doku reisen sie an einen Ort ihrer Kindheit und sprechen über ihre Beziehung zueinander. Ihr Werk ist oft ein Tauziehen zwischen Konkurrenten und Komplizen.

Es sind die längsten Beziehungen, die wir in unserem Leben haben: Geschwister sind nicht nur in der Kindheit prägend, sondern bleiben auch im Erwachsenenleben ein dauerhafter Bezugspunkt. Etwas Besonderes sind die Brüder und Schwestern, die gemeinsam kreativ sind – und wo die Kreativität den Bruder oder die Schwester geradezu braucht, um sich entfalten zu können. In dieser Dokumentation sprechen fünf junge und prominente Geschwisterpaare über ihre Beziehung und ihre gemeinsame Kreativität.

Camille und Julie Berthollet sind Shootingstars der klassischen Musik, die Zwillinge Heiko und Roman Lochmann zählten lange zu Deutschlands größten YouTube-Stars. Oskar und Emil Belton, ebenfalls Zwillinge, sind Regisseure und Schauspieler. Wana Limar ist Influencerin und Moderatorin, ihre Schwester Hila Architektin und Aktivistin. OG Keemo gilt manchen als Deutschlands bester Rapper. Mit seiner Schwester Iman verbindet ihn eine besondere Beziehung.
 
Die Dokumentation führt in die Privaträume der prominenten Geschwister und zeigt, wie Bruder und Schwester die gemeinsame Kreativität beeinflussen.

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Regelmäßige Sendungen mit kulturellen Themen auf arte sind zudem:
Stadt, Land, Kunst (Mo. – Fr. 13 Uhr) und TWIST

Diese Übersicht wird stets mehrere Wochen vor den jeweiligen Sendeterminen erstellt.
Aktuelle Programmänderungen sind meist nicht berücksichtigt. Diese finden sich auf arte.tv.